Aprovechando que la pequeña pantalla ha mostrado a las nuevas generaciones un clásico imprescindible, con uno de los riff mas conocidos de la historia del rock, hoy tratamos de contar la historia que esconde esta canción. Se me olvidaba, hoy hablamos de Smoke on the Water, el tema emblemático de Deep Purple.

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Gas Natural ha decidido rescatar este clásico, para dar ambiente a su nuevo y divertido anuncio. La génesis de la canción hay que situarla en el casino Montreux en Suiza, donde Deep Purple tenían previsto grabar su álbum Machine Head en la sala de conciertos que disponía el casino.

Un día antes de que ellos realizaran su grabación, actuaba en el local Frank Zappa and The Mothers of Invention. En medio de un solo de sintetizador de Don Preston en la canción King Kong, fue cuando se inicio el fuego. “Un estúpido” (calificación que da Deep Purple en su letra), tiró una bengala que originó el incendio.

En un principio, parecía no revestir ningún tipo de peligro, hasta que se empezó a incendiar el techo, y este se derrumbó. Fue en este momento cuando Frank Zappa ordenó a todos los asistentes que abandonaran el local rápidamente.

El suceso fue noticia de los diarios:

El caso es que el auditorio se llenó de humo, dificultando la visión. Los propios componentes de Frank Zappa and The Mothers of Invention, tuvieron que abandonar apresuradamente el escenario, y escapar a a través de un túnel que existía en la trasera del mismo.

La cosa pareció agravarse cuando una caldera de calefacción reventó a causa del fuego. La explosión lanzó a parte del público contra las ventanas del local, aunque afortunadamente no se tuvieron que contabilizar victimas mortales. Al final, Deep Purple tuvo que buscar otro sitio donde poder grabar.

El casino quedó totalmente destruido, como se puede ver en las imágenes.

El suceso que Roger Glover dijo en una ocasión ver en un sueño una o dos veces, después del incendio, fue adornado por Ritchie Blackmore, con 4 de las notas más reconocidas hoy en día, las 4 notas con toque de blues, que conforman el riff más famoso de Deep Purple.

Para finalizar os dejo la letra de la canción.

We all came down to Montreux
on the Lake Geneva shoreline
To make records with the mobile
We didn’t have much time
Frank Zappa and The Mothers
were at the best place around
But some stupid with a flare-gun
burned the place to the ground

Smoke on the water
a fire in the sky
Smoke on the water (Riff)

They burned down the gambling house
it died with an awful sound
A funky claude was running in and out
pulling kids out the ground

When it all was over
we had to find another place
But Swiss time was running out
it seemed that we would lose the race

Smoke on the water
a fire in the sky
Smoke on the water

We ended up at the Grand Hotel
it was empty cold and bare
But with the rolling truck stones thing outside
making our music there

With a few red lights and a few old beds
we made a place to sweat
No matter what we get out of this
I know well never forget

Smoke on the water
a fire in the sky
Smoke on the water.

Traducida.

HUMO SOBRE EL AGUA

Llegamos todos a Montreaux
a la orilla del Lago Ginebra
para hacer unas grabaciones con un móvil
no teníamos mucho tiempo.

Frank Zappa y Las Madres
estaban en la mejor ubicación
pero un estúpido con una pistola de fogueo
incendió el lugar hasta el suelo.

Humo sobre el agua
fuego en el cielo
humo sobre el agua.

Quemaron el casino
murió con un sonido terrible
una tarjeta intentó
levantarles el ánimo a los chicos.

Cuando todo terminó
tuvimos que buscar otro lugar
el horario suizo terminó
parecía como que perdimos la carrera.

Terminamos en el Grand Hotel
estaba vacío, frío y muerto
pero con el camión de los Rollig Stones afuera
hicimos un poquito de música.

Con unas pocas luces rojas
y un montón de camas viejas
logramos un lugar para transpirar.
No importa cuando se salga de esto
sabemos que nunca lo olvidaremos.

Humo sobre el agua
fuego en el cielo
humo sobre el agua.

Continuamos viajando en nuestra sección Escenarios Singulares a aquellas localizaciones especiales donde se acogen espectáculos musicales. Hoy el lugar escogido se encuentra en un país del norte de Europa.

Slane es una localidad del noroeste de Irlanda que alberga un castillo de gran atractivo histórico y arquitectónico, y además posee la singular característica de ser uno de los anfiteatros naturales más grandes del mundo. Con capacidad para 80.000 personas, en su explanada se celebran conciertos multitudinarios desde 1981. Situado a 1 km de la villa junto al río Boyne y a 25 minutos de la capital Dublin, el Slane Castle también se puede visitar pudiéndose hacer la reserva desde su propia web, además de organizar bodas y otros eventos.

Entrando ya en lo estrictamente musical, para haceros una idea aquí tenéis el listado de los que han tenido el privilegiado de tocar más de una vez desde que se utiliza para shows en directo:

Oasis (1995, 2009)
Red Hot Chili Peppers (2001, 2003)
Robbie Williams (1998, 1999)
Stereophonics (1999, 2002)
U2 (1981, 1983, 2001 2 veces)

También lo han hecho pero sin ser cabeza de cartel:

Big Country (1983, 1987)
James (1993, 1998)
Dara (2000, 20011)
Moby (2000, 20011)
The Charlatans (2002, 2007)

U2 al ser irlandeses han tenido una relación más cercana todavía. Además de sus actuaciones, en 1984 Bono subió a cantar con Bob Dylan dos de sus clásicos: Blowing in the wind y Leopard-skin Pill-box Hat. La anécdota no pasaría de ahí salvo que al cantante  de U2 se le olvidó la letra de la primera y se la inventó sobre la marcha, con la inevitable cara de perplejidad del de Minnessota. En 1988 compusieron para el disco Rattle & Hum la canción Van Diemen’s Land, dedicada al poeta John Boyle O’Reilly natural de Slane.

Vista aérea de un concierto en Slane Castle

A continuación tenéis la relación de artistas y grupos que han pasado por este castillo tan imponente:

16 de Agosto 1981
THIN LIZZY
U2/HazelO’Connor/Rose Tattoo
Sweet Savage/The Bureau/Megahype

24 de Julio 1982
ROLLING STONES
J.Geils Band/The Chieftans/George Thorogood and the Destroyers

8 de Julio 1984
BOB DYLAN
UB40/Santanta/In Tua Nua

1 de Junio 1985
BRUCE SPRINGSTEEN

5 de Julio 1986
QUEEN
Chris Rea/Bangles/Fountain Head

11 de Julio 1987
DAVID BOWIE
Big Country/Aslan/The Grove

16 de Mayo 1992
GUNS ‘N’ ROSES
Faith No More/My Little Funhouse

10 de Julio 1993
NEIL YOUNG
Pearl Jam/Van Morrison/Saw Doctors/James/ 4 Non Blondes/ The Blue Angels

22 de Julio 1995
REM
Oasis/Spearhead/Sharon Shannon/Belly/Luka Bloom

29 de Agosto 1998
THE VERVE
Manic Street Preachers/Robbie Williams/Finlay Quaye/The Sea Horses/James/Junkster

28 de Agosto 1999
ROBBIE WILLIAMS
Stereophonics/Placebo/Happy Mondays/Gomez/David Gray/Simon Carmody

26 de Agosto 2000
BRYAN ADAMS
Moby/Macy Gray/Melanie C/Muse/Eagle – Eye Cherry/Dara/Screaming Orphans

25 de Agosto 2001
U2
Red Hot Chili Peppers/Coldplay/Kelis/JJ72/Relish

1 de Septiembre 2001
U2
Moby/Ash/Nelly Furtado/The Walls/Dara

21 de Agosto 2002
STEREOPHONICS
The Charlatans/Nickelback/Counting Crows/Ocean ColourScene/Doves/The Revs

23 de Agosto 2003
RED HOT CHILI PEPPERS
Foo Fighters/Queens of Stone Age/PJ Havey/Feeder

29 de Agosto 2005
Madonna

18 de Agosto 2007
ROLLING STONES
The Charlatans/The Hold Steady/Tinariwen/Frankie Gavin

20 de Junio 2009
Oasis
The Prodigy/Kasabian/Glasvegas/The Blizzards

Y para terminar hemos seleccionado una serie de videos de diferentes épocas. De los primeros años apenas existen grabaciones y la mayoría son de mala calidad. Hemos incluído los más decentes.

Thin Lizzy (1981)

Trouble Boys

Queen (1986)

Mini reportaje

Guns & Roses  (1992)

OASIS (1995)

Robbie Williams (1999)

Bryan Adams (2000)

Run to you

U2 (2001)

Red Hot Chili Peppers  (2003)

Foo Fighters (2003)

Rolling Stones (2007)

Oasis (2009)

Los anuncios publicitarios nos siguen proporcionando canciones de las que hablar. Esta vez ha sido la empresa sueca Ikea la que ha elegido un tema que quizá no todos conoceréis. Se trata de No puedo vivir sin tí, el single con el que Los Ronaldos regresaron en el 2007. El anuncio incluye una versión diferente a la original, es acústica y más lenta, aquí tenéis el video:

Esta vuelta del grupo de Coque Malla a los escenarios se formalizó con un EP llamado 4 canciones, entre las que se encontraban, además de la ya comentada, Mal día para ver llover, El León y Que te vaya bien. Hemos subido estas últimas para que las podéis escuchar ya que no hay videos por la red.

Mal día para ver llover

El León

Que te vaya bien

En esta última el solo con slide del guitarrista Luis Martín me parece espectacular y junto a la que ha escogido Ikea son mis dos favoritas. La posterior gira de presentación quedó plasmada en el álbum La Bola Extra, un fiel documento de lo que dieron de sí aquellos conciertos. Como el que tuve la ocasión presenciar en el Kafe Antzokia de Bilbao el 22 de marzo del 2007, con los getxotarras Zodiacs de teloneros. Una actuación de la que se vendieron todas las entradas y en el que pude comprobar que seguían conservando esa energía con la que irrumpieron a finales de los 80. En su primera etapa les vi en 2 ocasiones durante la gira de su segundo, y quizá más exitoso disco, Saca La Lengua. Hace apenas dos días. El 12 de marzo de 1989 en Fadura (Getxo) y el 1 de noviembre del mismo año en el pabellón de la Casilla de Bilbao.

Dejamos atrás tiempos pasados para acabar con el video que rodaron los madrileños de No Puedo Vivir Sin Tï y una actuación en televisión interpretándola en vivo.

Aquí está la segunda entrada de nuestra recientemente estrenada sección de los video-intentos.

Ya sabéis que grabamos videos intentando enseñar cómo tocar algunas canciones a la guitarra.

Para esta ocasión hemos elegido For reasons unknown, una de las canciones que más nos gustan de The Killers.

Al comenzar a aprender la canción nos servimos de la tablatura que encontramos aquí (tablatura para el programa guitar pro). Después le añadimos las variaciones que nos parecieron que mejor le sentaban, aunque tampoco  nada complicado.

La canción es sencilla y fácil de tocar. Está afinada un semitono más grave que la afinación estándar, quedando así: Eb Ab Db Gb Bb Eb de sexta a primera cuerda respectivamente.

Hay 2 gazapos en la canción en la que se me va el tempo al tocarla, mirad si podéis encontrarlos y así de paso me criticais un poco.

Como en el anterior video-intento, si le sacais mejoras a la canción, otros sonidos, etc… no dudéis en comentarlo y actualizaremos la entrada.

Si pinchais sobre el video, podréis ver la canción mejor en YouTube.

Subid el volumen.

Rebuscando por la Red, me he encontrado por casualidad con una versión de un clásico de los años 80. La canción versionada en cuestión, se llama Don’t Stop Believin’ y es del grupo de rock americano llamado Journey. Esta canción forma parte de su disco más emblemático titulado Escape, que contó con varios éxitos en listas como fueron “Open Arms”  o “Who’s Crying Now” . Pero si tuviésemos que hablar de una canción que ha marcado la carrera de Journey, sin duda alguna, esta es Don’t Stop Believin’. Muchos jovenes la conocieron recientemente por ser la música que acompañó la escena final de la serie Los Soprano.

Esta banda ha sufrido varios cambios en su formación. La más significativa fue el adios de su vocalista Steve Perry, ya que durante su estancia, fue cuando se dieron los mayores éxitos de esta banda. Actualmente el cantante es Arnel Pineda, ex-vocalista de The Zoo.

El origen de la banda hay que encontrarlo en el teclista Gregg Rolie y el guitarrista Neal Schon, que decidieron abandonar el proyecto de Carlos Santana en el año 1973.

Aquí os dejo la canción original con Steve Perry a la voz.

La versión que me he encontrado en la Red, corresponde a una serie de televisión, llamada Glee. Es una serie-musical ambientada en un colegio y cuyos derechos los tiene en España Antena 3. Como no soy muy adicto a la pequeña pantalla, desconozco si se está emitiendo actualmente. El caso es que hacen una versión más que aceptable de este clásico, e incluso hay gente en la Red que asegura que es mejor que la original. Personalmente prefiero a los viejos rockeros, por lo que supuso en su momento. Aquí os dejo la versión del clásico.

Son muchas las películas hoy en día, que cuidan con esmero el acompañamiento musical de las escenas que se proyectan. Es más, hay bandas sonoras de films, que han alcanzado incluso más notoriedad que la propia película. No es raro ver, cantantes y grupos de renombre realizando su aportación a las mismas, y muchos grupos han salido del anonimato gracias a su aparición en bandas sonoras.

El honor de ser la primera banda sonora de una película, según los expertos, es para el film El Nacimiento de una nación (Birth of a Nation) de D.W. Griffith, que se proyectó en el año 1915. Se considera que la música que acompaña las imágenes, son la primera partitura orquestal escrita específicamente para una película.

Desde que los hermanos Lumiere, proyectaran su primera sesión de pago en el año 1895 en París, la evolución del cine no se ha detenido. En un principio, y como ya es sabido, no existía sonido en las mismas, aunque si se acompañaba la proyección con un piano.

El caso, es que los distribuidores de películas, empezaron a ver la importancia que tenía el acompañamiento musical, para ayudar a la comprensión de las imágenes.

Esta importancia se vio acentuada, cuando los inmigrantes empezaron a acudir en masa  a los salas de proyección. Incapaces de leer los subtítulos por desconocimiento de la lengua, la música les ayudaba a comprender la trama de las imágenes.

En la película Nacimiento de una Nación, se prescindió del pianista, por una orquesta, y se escribió una partitura específica para la acción de la pantalla. Si bien es cierto que la música que sonaba, no era de cosecha propia, si no que se tomó de temas clásicos y populares, supuso la primera partitura adaptada a una película.

El acompañamiento de la orquesta resultó un éxito, que mejoró sin duda la comprensión y el espectáculo de las proyecciones de las películas. Y a partir de aquí, fue evolucionando, hasta lo que nos ha llegado hoy en día; las bandas sonoras.

Aquí os dejo el inicio de la película y el trailer de la misma.

Inicio de la película

Trailer

La noticia del rodaje de Los cazafantasmas en 3D, aquella película que recordaréis de la década de los 80 de la que se hicieron otras dos partes más, me ha dado pie a inaugurar una nueva sección en el blog: Canciones de película. En ella rescataremos esas melodías que irremediablamente nos traen a la memoria el film al que están unidas. Y ya que ellos nos han inspirado esta nueva categoría, con los Ghostbusters empezamos.

Fue en 1984 -ese año tan orwelliano- cuando se estrenó en los cines y pudimos ver a Dan Aykrod, Bill Murray y Harold Ramis luchando por medio de unas extrañas máquinas contra unos fantasmas muy peculiares. Les acompañaban en su cruzada la varias veces nominada a los Oscars Sigourney Weaver y Ernie Hudson. El resultado fue el segundo gran éxito de taquilla en ese año. Eran tiempos en los que este tipo de cine tenía una gran aceptación. Comedias de calidad variada y cuya única pretensión consistía en entretener, dominaron durante esa década los primeros puestos de las recaudaciones. Todas tenían además una canción asociada que pronto lograba ser popular. (Algunas de ellas las veremos en este y en sucesivos capítulos).

En 1989 se hizo la secuela con los mismos protagonistas y volvieron a reunir muchos espectadores frente a las pantallas de proyección pero sin conseguir igualar los registros de la primera.

En cualquier caso, la canción que siempre quedará como representativa es la que realizó Ray Parker Jr. Del video por cierto nos hicimos eco ayer en otra sección de este mismo blog porque aparecen en él diferentes rostros conocidos. Fue candidata a ganar el Oscar ese mismo año pero la estatuilla se la llevó finalmente Stevie Wonder con su I Just Called To Say I Love You.

Como ya os pusimos el video original, añadimos el de un mashup muy bueno con el Thunderstruck de AC/DC.

Siguiendo con rompetaquillas de aquella época es inevitable no hablar de Superdetective en Hollywood. Estrenada en 1985, supuso el inicio del estrellato para su protagonista, Eddie Murphy.  Algo en lo que influyó la suerte ya que ese papel era para Sylvester Stallone pero el actor de Rocky (otra película de la que hablaremos) abandonó el rodaje a las primeras de cambio. Beverly Hills Cop, el título original, tuvo 2 secuelas más en 1987 y 1994 respectivamente, y en la actualidad se está preparando la cuarta parte cuyo estreno está previsto para el 2012.

La banda sonora ganó un Grammy. Dos cortes sin duda ayudaron a ello. La primera y la principal, la instrumental interpretada mediante sintetizadores Axel F de Harold Faltermeyer que también colaboró en otros filmes que también recogeremos aquí como Flashdance y Top Gun.

La otra la del cantante y guitarrista Glenn Frey, que se alejó completamente del estilo de su ex-grupo Los Eagles, con la pegadiza y rítmica The Heat Is On. Después de separarse de ellos, Frey hizo varias incursiones como compositor para películas como Ghostbusters II o Thelma y Louise y series como Corrupción en Miami (Miami Vice).

Terminamos con Footloose, otra de 1984 en la que Kevin Bacon hacía uno de sus primero papeles como protagonista.  Como curiosidad apuntar que esta fue una de las primeras apariciones cinematográficas de Sarah Jessica Parker, actriz superfamosa gracias a la serie Sexo en Nueva York. Al igual que las anteriores, también se está gestando un remake que parece que pronto verá la luz.

Su banda sonora agrupa varias canciones muy conocidas. Holding Out Of A Hero de Bonnie Tyler es quizá la más recordada pero la que tuvo una nominación a los Grammy y a los Oscars (coincidiendo ese mismo año con la de Ghostbusters) fue la del mismo título que la película y que era obra de Kenny Loggins. Con motivo del 15º aniversario de su estreno se reeditó la BSO añadiéndose canciones como Hurt So Good de John Cougar Melllencamp y Waiting For A Girl Like You de Foreigner. Loggins también incluyó otra más, I’m Free (Heaven Helps The Man) y al igual que Frey y Faltermeyer, también le cogió gustillo a participar en más películas, haciendo por ejemplo Danger Zone para Top Gun.

Hemos cambiado de año pero no nos hemos olvidado de nuestra sección donde os traemos videos con participación extramusical. Seguimos acumulando capítulos y ya vamos, nada más y nada menos, que por el octavo. Esta vez va sobre todo de humoristas.

Ahora que parece que la tercera parte ya está en marcha, retrocedamos en el tiempo hasta el año 1984 con la película Cazafantasmas (Ghostbusters). Ray Parker Jr fue el encargado de componer el tema principal y bien que aprovechó la ocasión. Fue elegida mejor canción un año después por la BAFTA (premios de cine de la academia británica) y estuvo a punto de ganar el Oscar en 1984 pero finalmente se lo llevó Stevie Wonder con I Just Call To Say I Love You, banda sonora de otra película, La Mujer De Rojo. No todo fue bonito para Ray ya que Huey Lewis And The News le acusó de plagiar su canción I Want A New Drug. A pesar del secretismo con el que se llevó el tema, parece que llegaron a algún tipo de compensación económica y no llegó a más el conflicto. La verdad es que cierto parecido tienen.

En el video además de combinar imágenes de la película aparece el mismo Parker y al final muchos cameos de humoristas del famoso programa Saturday Night Live (los protagonistas del film Bill Murray y Dan Aykrod fueron a su vez integrantes de ese espacio televisivo) como Chevy Chase (actor de cine más tarde también como ellos) o John Candy, Irene Cara (la cantante del What A Feeling de Flashdance), Melissa Gilbert (Laura Ingalls en La Casa de la Pradera), Nickolas Ashford (compositor y productor de la Motown Records), Jeffrey Tambor(actor), George Wendt (Norm en la serie Cheers), Al Franken, Danny DeVito (el actor bajito más famoso de Hollywood), Carly Simon (cantante), Peter Falk (Colombo) and Teri Garr (oscar en 1982 por Tootsie).

Casi en el mismo espacio de tiempo, en 1985 concretamente, nos encontramos con algunos de los anteriores nombres. Chevy Chase y Dan Aykrod junto a Donna Dixon protagonizaban Espía Como Nosotros. En esta ocasión el Beatle Paul McCartney compuso la canción principal del mismo título que el film. Los dos actores además de salir en el video, aparecen en la portada del single. Se da la casualidad que el director del video es el mismo que el de la película, John Landis (famoso entre otras cosas por realizar también el Thriller de Michael Jackson y la primera peli de los Blues Brothers).

Y para terminar otro más en el que sale Chevy Chase (espero que no os empache). Aquí lo hace en la canción de You Can Call Me Al de Paul Simon. El músico se inspiró al componerla en algo que le sucedió cuando fue a una fiesta. El anfitrión se confundió y le llamó Al, y Betty a su entonces mujer Peggy. Fue el primer single de su exitoso disco Graceland de 1986. También está presente cómo no el Saturday Night Live porque Paul Simon apareció en 12 ocasiones, tanto en solitario como con Art Garfunkel e incluso con George Harrison en 1976 tocando Here Comes The Sun y Homeward Bound.

Coincidiendo con el 30 aniversario de los premios BRIT, este galardón anual a la Industria Fonográfica Británica de la música pop, y cuyas siglas significan British Record Industry Trust, ha decidido realizar una votación por la mejor actuación de las que se han ofrecido en las galas de entrega de premios.

Para simplificar la elección, hemos decidido recopilar en una única entrada, todas las actuaciones que entran en la terna de finalistas. Las votaciones se cierran el día 5 de febrero. Aqui teneis el link donde podeis votar.

Antes de dejaros los videos, nos gustaría saber tambien vuestra elección mediante un comentario.

KYLIE MINOGUE – Can’t Get You Out of my Head (2002)

TAKE THAT – Beatles Medley (1994)

MICHAEL JACKSON – Earth Song (1996)

GIRLS ALOUD – The Promise (2009)

SCISSOR SISTERS – Take Your Mama (2005)

COLDPLAY – Clocks (2003)

THE WHO – Who Are You (1988)

SPICE GIRLS – Wannabe/ Who Do You Think You Are (1997)

BROS. – I Owe you Nothing (1989)

ROBBIE WILLIAMS & TOM JONES – The Full Monty Medley (1998)

KANYE WEST – Gold Digger (2006)

No hemos encontrado su actuación en la Red. Hemos puesto una actuación suya en los grammys del mismo año.

PET SHOP BOYS – Go West (1994)

PAUL McCARTNEY – Live & Let Die (2008)

BEE GEES – Stayin’ Alive/ How Deep is Your Love (1997)

EURYTHMICS & STEVIE WONDER – There Must Be An Angel (playing with my heart) (1999)

La charlotada en la que se ha convertido la elección del representante para Eurovisión no ha terminado con la exclusión de Karmele Marchante. Como ya sabréis por el bombardeo mediático al que nos han sometido diferentes medios, RTVE decidió apartar de las votaciones a Pop Star Queen (el seudónimo bajo el que se presentaba) por infringir varias reglas del concurso. El revuelo generado por tal “osadía” ha sido mayúsculo. Telecinco, la cadena promotora de esta aspirante a Massiel del siglo XXI, ha llegado a calificar la decisión de “anticonstitucional” (¿no debería ser inconstitucional?), dando una vuelta de tuerca más a este sinsentido. Esta descalificación ha sido estos últimos días el gran debate nacional -junto a la inevitable tragedia de turno (en este caso Haití)- que ha llenado hojas de periódicos y minutos en televisiones y radios. Pero si alguien pensaba que el disparate había terminado con la expulsión de Karmele, no podría estar más equivocado.

En el ránking de más votados, nos encontramos en tercera posición -y con más de 100.000 votos en el momento en el que escribo estas líneas- a un tal John Cobra. Mi sorpresa ha sido mayúscula al verlo. El nombre no me resultaba desconocido ya que hace tiempo supe de sus andanzas por los videos que cuelga en internet de sus múltiples “desparrames”. Este personaje representa al típico descerebrado de barrio que se dedica a hacer gamberradas y además a grabarlas en video. La popularidad que tiene en internet es difícil de entender. Tal vez sea el mono de feria que sirve para que se rían unos y el modelo a seguir para otros. En cualquier caso, por lo que he podido averiguar, la web donde cuelga sus andanzas le es muy rentable. Un negocio redondo para un macarrilla analfabeto.

La canción con la que participa se llama Carol y está dedicada a su novia, y es que el chaval nos ha salido romántico. Si conseguís escucharla hasta el final os regalamos un jamón 5 jotas. En este enlace lo podéis intentar. Cuánto habéis aguantado, 10 segundos? Pues esto lleva más de cien mil votos. ¿Abrimos debate o seguimos hablando de Karmele?

A continuación os adjunto unos videos con sus greatest hits. El primero participando ni más ni menos que en el gran programa del diario de Patricia (que se sigue llamando así a pesar de que ya no lo presente la susodicha Patricia)

Unos rompen nueces con el culo, el Cobra rompe litronas con la cabeza, su mayor especialidad.

En el foro-coches de internet debe ser el amo de la barraca y él les devuelve tanto cariño con piruetas arriesgadas como esta.

En sus ratos libres se dedica a la docencia callejera. Imparte técnica y táctica de vale-calle, y ha elaborado su propio código de honor. Una joyita a la que toda madre quiere como yerno.

Con más pena que gloria, inauguramos esta nueva sección del Auricular, los video-intentos. En ella vais a poder ver videos hechos por nosotros mismos dónde haremos covers de guitarra de conocidas canciones.

A modo de video-tutorial os presentamos la canción de la forma más cercana y sencilla posible para que aprendáis a tocarla.

Para esta ocasión hemos elegido la conocida canción de Zenttric – Sólo quiero bailar, de la que ya hablamos en su día.

Ha sonado mucho, nos gustaba y era una buena canción para la inauguración. Lo malo es que apenas había apenas recursos para saber tocarla. No encontramos tablaturas de la canción, así que decidimos sacarla nosotros a puro oído.

Por tanto no es precisa 100% a la canción original, tiene algunos fallos al tocarla, pero se le aproxima bastante. Los arpegios iniciales, la estrofa  y el estribillo son bastante fieles a la original, pero por supuesto podrá haber otras formas de tocarla. La salida y pequeño solo final pueden tener pequeñas variaciones, pero básicamente están ahí.

Ahí tenéis el video-intento. Creemos que el video es sencillo y auto-explicativo, pero por supuesto, si vemos que os interesa por vuestros comentarios, trataremos de explicar algunas cosas como la armonía, funciones tonales,…

Además sería un gran aporte si tratáis de sacarle mejoras o sugerencias para el sonido.

Ahí la tenéis:

Portada del single

Puede que hayáis oído la canción que sale últimamente por televisión en el nuevo anuncio de Orange Móvil, y os recuerde a una muy conocida del pop español. No estáis equivocados, es Chica de Ayer de Antonio Vega pero cantada en inglés. La versión ya tiene unos añitos, es del 2000 y el grupo que la hizo se llama Gigolo Aunts y son de Nueva York. En muchas entrevistas le preguntaron a Antonio qué le parecía esta adaptación y él siempre respondió que era la que más le gustaba entre la multitud de versiones que se han hecho. Dos ejemplos:

En el suplemento La Luna de El Mundo:

“P. Bueno, ¿has oído la adaptación al inglés que han hecho Gigolo Aunts de La chica de ayer?

R. Claro. He escuchado su versión y ha sido una sorpresa. No me imaginaba cómo un grupo americano iba a acercarse a Chica de ayer. Y me gusta el sonido, las guitarras, el toque garajero. Y luego la traducción es casi literal: «I look out throught my window, you’re the girl of yesterday…». No les conozco ni sé cómo llegaron a dar con el tema.”

En el diario La Región de Valladolid:

“Vega ha asegurado que la mejor versión que ha escuchado sobre ‘La chica de ayer’ es la del grupo americano Gigolo Aunts, y sobre la peor no se ha querido pronunciar, ‘porque todas tienen un valor muy especial, incluso la de Enrique Iglesias, que la llevó a su terreno’. “

Precisamente una de las más controvertidas para los seguidores del madrileño fue la del hijo de Julio Iglesias. Para algunos significó un ultraje a la que consideran un himno de una época mítica como la movida madrileña. No en balde ha sido elegida muchas veces como la mejor canción o la más representativa de aquellos años 80. En cualquier caso ya vemos que su autor quitaba hierro al asunto e incluso contestaba con diplomacia y caballerosidad a la cuestión.

Si queréis recordar cómo era la del novio de la Kournikova podéis escucharla en este enlace y en este otro una versión acústica en directo que mejora la anterior -a mi parecer- aunque con Enrique tirado en el sofá dando una imagen un tanto errática.

Otra de las versiones que causó cierta antipatía fue la de El Canto Del Loco pero a decir verdad no difiere de su estilo habitual aunque sin aportar gran cosa a la original. Aquí la encontraréis.

Anuncio de Orange

A continuación os dejo con una actuación de Gigolo Aunts en los conciertos de Radio 3 tocando la mencionada Girl from yesterday.

Debajo tenéis la que hizo German Coppini (ex- Siniestro Total y ex-Golpes Bajos) en el disco homenaje Ese chico triste y solitario.

Y para finalizar la de Nacha Pop en su concierto de despedida de 1988 en la sala Jácara en Madrid. Insuperable.

Ivor Novello

Muchas veces igual os habéis encontrado con artistas, que en su palmarés tienen uno o varios premios Ivor Novello, sin saber muy bien quién fue ese personaje o a que viene tal galardón. Hoy os voy a comentar de manera muy resumida quién es.

Primeramente decir, que Ivor Novello, es el hombre que da nombre a uno de los principales galardones para autores de canciones que se conceden en las islas británicas.

Nació en el seno de una familia de músicos de Cardiff, Gales en 1893 y uno de sus primeros éxitos fue una exaltadora canción para la 1º guerra mundial titulada “Keep the Home Fires Burning“ en 1914.

Desde el año 1919, empezó a formar parte de numerosas películas, siendo recordado su papel de sospechoso en Jack el Destripador en The Lodger.

Gracias a sus apariciones en el celuloide, se convirtió en una estrella de Hollywood y en un autentico dandy idolatrado por sus fans, que confundieron su soltería con disponibilidad ya que en realidad era un homosexual atormentado, que había tenido una relación con el poeta Siegfried Sassoon.

Uno de sus mayores éxitos fue el musical Glamours Night en 1935, aunque sin duda el mayor de todos ellos, lo tuvo durante la segunda guerra mundial, con We’ll gather Lilacs, que formaba parte del musical Percance To Dream en el año 1945. La mayoria de estas canciones en esta época las escribía con el letrista Christopher Hassell.

Murió en 1951, y los premios se dedican en su honor, debido a que Ivor Novello fue el fundador de la British Academy of Songwriters, Composers and authors (Academia Británica de compositores, y autores), y además fue un acérrimo defensor de la causa.

Aqui os dejo los ganadores del año pasado (Año 2009).

Mejor Canción Contemporánea

Canción : Grounds For Divorce
Escritor/es: Guy Garvey / Richard Jupp / Craig Potter / Mark Potter / Peter Turner
Interpretada por: Elbow

Mejor Canción (Música y Letra)

Canción: One Day Like This
Escritor/es: Guy Garvey / Richard Jupp / Craig Potter / Mark Potter / Peter Turner
Interpretada por : Elbow

La verdad es que el último disco de Elbow, personalmente, me parece increible. Hace un tiempo hicimos una entrada sobre el grupo, que podeis visitar pinchando aqui.

Mejor Álbum

Album: We Started Nothing
Escritor/es: Julian De Martino / Katie White
Interpretada por: The Ting Tings

Al igual que el anterior grupo, si alguien desea conocer algo más sobre ellos, publicamos una entrada hace unos meses, que podeis consultar pinchando aqui.

Single Británico Más Vendido

Canción: Viva La Vida
Escritor/es: Guy Berryman / Jonny Buckland / Will Champion / Chris Martin
Interpretada por: Coldplay

Trabajo Más Difundido

Canción: Mercy
Escritor/es: Steve Booker / Duffy
Interpretada por: Duffy

Estaremos al tanto de los premios que se concedan este año, para dedicarles una entrada.

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En esta nueva entrega de Qué canción es mejor? vamos a hacer un pequeño cambio. Esta vez no pondremos una canción con diferentes versiones de otros tantos artistas sino que lo haremos con uno sólo. Los elegidos son Leonard Cohen y el cantante de Echo & The Bunnymen, Ian McCulloch. Ya sea en solitario o con su grupo, el de Liverpol siempre ha demostrado su devoción por el canadiense, como quedó plasmado en el documental What Leonard Cohen did for me. A lo largo de toda su carrera ha tocado varias canciones de su repertorio, un compositor que por otra parte siempre ha sido versioneado por muchísimos músicos. En la red sólo hay tres de estas versiones pero además de las que incluimos también ha abordado las de The Partisan, Hey, That’s No Way To Say Goodbye y Don’t Go Home With Your Hard-On. Estar a la altura de la talla de Leonard Cohen es complicado pero el vocalista de los Bunnymen, fiel a su sonido y melodías pop que le han caracterizado siempre, consigue un resultado más que digno. Júzgalo por ti mismo escuchando los siguientes ejemplos.

Empecemos con Lover Lover Lover. Fue publicada en 1974 en su cuarto disco titulado New Skin For The Old Ceremony.

Uno de los singles de Mysterio, el segundo album en solitario de McCulloch en 1992, fue esta adaptación de Lover Lover Lover. En el video el vocalista suplica a una bella dama que vuelva con él.

Continuamos con There is a war que también salía en el mismo disco. La portada por cierto fue censurada en España porque se veía a dos ángeles haciendo el amor.

Portada Censurada

Portada con un ala tapando los cuerpos (versión española)

En 1991 se hizo un disco tributo a Cohen en el que aparecía esta versión que realizó el inglés.

Uno de los grandes himnos del canadiense es Suzanne, la canción que abría su disco de debut en 1967.

La réplica nunca la ha grabado en un estudio McCulloch, sólo la ha interpretado en directo.

Christoper, Matt y Dom. Componentes de Muse

Hace unos días, la revista Total Guitar encumbraba a Matt Bellamy al olimpo de los dioses de la guitarra, al catalogarlo como el mejor de la última década. El vocalista, guitarra, compositor y pianista del grupo británico Muse, ha sido descrito como el Hendrix de nuestra generación, como un hombre creativo sin igual, y como el creador del mejor riff de la decada. Casi nada!!

Premios al margen, Matt Bellamy, siempre me ha parecido de esos extraños personajes que me gustaría conocer en persona, para poder descubrir si lo que vemos en los medios es una fachada, o realmente este tipo merece la pena tanto como parece.

Repasando su biografía, declaraciones y entrevistas, se destila una personalidad propia de la música que luego nos ofrece. No recuerdo donde leí una vez, un crítico que decía que la música de Muse es perfecta para el Apocalipsis. Siempre me han gustado las personas osadas, que no se acomodan tras el éxito, y siguen arriesgando e innovando. Muse se reinventa constantemente. No voy a hablaros de su último disco The Resistance, ya que se le dedicó una entrada justo cuando se publicó (Ver aqui). Hoy vamos a centrarnos en su personaje principal: Matt Bellamy.

Fue niño prodigio, como así lo atestigua su habilidad ante el piano. Atentos al video. Matt con 12 años.

Con la guitarra empezó un poco más tarde, a los 16, y siempre asegura que fue autodidacta. De hecho la única vez que tomó lecciones de música fue de guitarra española clásica. Fue escuchando Camarón, con el que hizo sus primeros pinitos con las cuerdas de una guitarra. Es indudable, que el muchacho tiene facultades para esto de la música.

Buscando en la Red he encontrado un video en el que se puede ver (oir algo peor), un documento histórico. Se trata de una actuación del grupo Muse en una batalla de bandas en el año 1994. Se puede ver a un jovencísimo melenudo llamado Matt Bellamy. Creo recordar que fue grabado por un hermano que acudió al evento para grabar la actuación de la banda en la que formaba

Parte 1

Parte 2

Parte 3

El riff que se menciona como el mejor de la década es el de Plug In Baby, que os pongo a continuación. Las imágenes corresponden a un concierto en Wembley en el año 2007.

Muy curiosas son también sus guitarras, que él mismo diseña junto a Hugh Manson en Exeter, y que son verdaderas obras de arte de corte futurista. Parece increíble que este hombre sea capaz de realizar semejantes desarrollos tecnológicos, ya que en sus inicios, tuvo el dudoso honor de cargarse la página web de su grupo, mientras aprendía HTML. Os dejo un link donde se habla de ellas

Sus declaraciones, tampoco suelen pasar desapercibidas. Y si pueden ser traducidas mejor, ya que desafortunadamente no entiendo la mayoría de las veces “ni papa” de su inglés. Gracias a Dios cantando se le entiende bastante mejor. Y hablando del Creador, él reconoce que es el personaje que más le gustaría conocer, por su capacidad de “caminar sobre el agua” y de “crear pescado a partir de arbustos”.

Su ingenio, llega hasta límites insospechados, como se pudo comprobar en el show de futbol “Quelli che il calcio” de la televisión italiana. Invitados a una actuación en este programa, se les obligó a cantar en playback. Ellos ni cortos ni perezosos, y supongo que a modo de protesta, intercambiaron sus puestos, y se pudo ver a Matt tocando la bateria y a Dom (batería) haciendo las veces de vocalista. Incluso la poco documentada presentadora, entrevistó a Dom, creyendo que era Matt Bellamy. Aqui os dejo el video que lo acredita.

Muse tiene la virtud de tocar temas en sus letras que pocos grupos se atreven a mostrar. La política, el calentamiento global o la vida extraterrestre forman parte ellas. Hablando del espacio, Matt, tuvo una salida muy ingeniosa cuando afirmó que le gustaría formar parte de los viajes espaciales, aunque primero quiere dejar a los millonarios que hagan los viajes de prueba. Los videos también suelen aportar su toque de originalidad. El apocalíptico Sing for Absolution o Bliss (personalmente me parece muy bueno el video y la canción) son buen ejemplo de ello.

La última osadía de Matt, ha sido una trilogía llamada Exogenesis, que forma parte del disco The Resistance. Incluir a Chopin puede parecer una temeridad. A mi me parece una autentica joya. Os dejo la tercera parte para finalizar la entrada. En mi opinión la mejor de las tres.

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Coldplay ha sido una de las bandas que mayor proyección han demostrado en la primera década del siglo 21. Influenciados en sus inicios por Radiohead y Jeff Buckley, su sucesión de álbumes desde Parachutes hasta Viva la Vida han supuesto un crecimiento constante en su carrera musical.

Sin irnos muy lejos de sus inicios, nos situamos en su primer álbum Parachutes, del que según la wikipedia se han vendido unas 8 millones de copias. Con muy buenas canciones como Trouble, We never change o Spies, hoy nos centraremos en una curiosa anécdota de una de las canciones con más brío del álbum. Se trata de Yellow, y en los conciertos de la banda, siempre es muy bien recibida por el público.

Yellow

En esta canción, los expertos aseguran que se nota la influencia de sus compañeros de discográfica Sparklehorse. La canción con fuertes ritmos, y con una estupenda guitarra por parte de Jonny Buckland, encierra un secreto que quizás mucha gente desconozca en su letra.

En una entrevista Chris Martin, cantante del grupo, aseguró que Yellow, (amarillo en ingles), y que se repite innumerables veces a lo largo de la canción, era una palabra comodín, o palabra falsa como suele decirse en el argot musical. La intención de ellos, era sustituir esta palabra por alguna que se les ocurriera más adelante y que diera más sentido a la canción. El caso es que nunca sucedió esto, y finalmente persistió hasta la publicación del disco. Y alguien pensará, a que viene que la palabra sea Yellow. Pues tan sencillo, como que lo que les inspiró el título fue una guía de teléfonos que tenían a mano en el momento de escribir la canción de la misma.

Otra anécdota de la canción es que en la letra, se habla de que mires a las estrellas que brillan por ti, algo imposible en Londres. Y es que está canción habla de unas estrellas que fueron vistas por el grupo en el estudio de grabación de un pueblecito gales, donde al parecer el cielo si que estaba despejado.

La elegida para el primer “enfrentamiento” del año en Qué canción es mejor? es una de uno de los grupos glam por excelencia, T. Rex. Incluída en su álbum The Slider de 1972, Ballrooms of Mars no es sin embargo una de las más conocidas de la banda liderada por Marc Bolan, como pueden ser Get It On o Children Of The Revolution. Producido por Tony Visconti y grabado en un Chateau en Francia por recomendación de Elton John, el disco contenía canciones como Telegrama Sam o Metal Guru. Como es de sobra conocido, Marc Bolan falleció en un accidente de coche que conducía su pareja Gloria Jones. Sucedió en 1977 justo 2 semanas antes del cumpleaños del malogrado músico. Os adjunto 2 videos, uno con su versión original y otro en formato acústico.

En 1980 Radio Futura iniciaba su carrera musical con Música Moderna, el disco que incluía el archiconocido Enamorado de la moda juvenil. Un primer trabajo que personalmente lo veo como la etapa más bien de “chiste” del grupo. Los hermanos Auserón y Enrique Sierra, el trío que sobrevivió a esa primera formación, reniegan de ese debut como se ha demostrado en sus recopilatorios o en su repertorio cuando estaban en activo. A pesar de esta apreciación, hay cosas que se pueden salvar. Una de ellas es Divina (los bailes de Marte), la adaptación que hicieron del tema que hoy abordamos. Santiago Auserón (hoy bajo el seudónimo de Juan Perro) re-escribió la letra pensando en Alaska, con múltiples referencias a ella. La mexicana pronto se convirtió en un icono para muchos y su imagen impactaba sin dejar indiferente a nadie. El grupo que se disolvió en 1992, optó por dar un toque reggae a la canción. Aunque pueda parecer sorprendente, también se hizo una versión sinfónica por la orquesta de RTVE hace unos años. Y el incombustible e histriónico Raphael la cantó precisamente con Alaska, la protagonista de Divina. Debajo los videos.

“Divina, estás programada para el baile
y en la brillante nave te deslizarás
en tus manos de metal hay reflejos de rosas
y viento y coches penden del ayer.

Mimosa te diré cuando cante la luna
y tu cara será una estrella sobre mi pedestal.
Suavemente abrazada a tu lobo impasible
bailaremos toda la vida en los bailes de Marte
rock!

Tú hablas de la luz y yo hablo de la noche
cuando los monstruos tienen nombre de mujer.
David Bowie lo sabe y tu mami también
hay cosas en la noche que es mejor no ver.

Te veo bailar con pegatinas en el culo
y mueves con tu ritmo la cara de tus fans.
Eres una bruja de oro eres un pequeño gangster
estuviste con Kaka de Luxe pero no te oí cantar
rock!”

Hemos dejado atrás el 2009 y es un buen momento para hacer una recapitulación de lo que han sido los primeros meses de vida de nuestro blog. El 17 de Marzo iniciábamos nuestra andadura con ilusión pero siendo conscientes de las dificultades del proyecto. Hacernos poco a poco visibles en la red era la aspiración con la que partíamos y hemos trabajado duro (y seguimos haciéndolo) para conseguirlo. Como el antaño famoso “Programa, Programa, Programa” de Julio Anguita, establecimos nuestra particular hoja de ruta con el slogan interno de “Contenido, Contenido, Contenido”. El compromiso inicial de publicar una entrada cada día laborable se ha mantenido hasta hoy. Incluso bastantes veces se ha extendido al fin de semana, no sin esfuerzo y dedicación. Afortunadamente la recompensa está siendo positiva y en la actualidad podemos decir que nuestras expectivas se han superado con creces. Los números, como diría un entrenador de fútbol resultadista, nos dan la razón.

El año lo hemos cerrado con un total de 68.944 visitas. Una cifra importante que no esperábamos ni en nuestros mejores sueños. Repasando los números de cada mes, la curva siempre ha sido en línea ascendente y a veces con picos de gran tráfico. La tendencia tímidamente positiva de los dos primeros meses, tuvo su primer punto álgido en mayo con la trágica desaparición de Antonio Vega. Dimos nuestro adiós al compositor madrileño que tanto admiramos y sin saberlo entonces, publicamos el único documento que existe de su canción “Antes de haber nacido“. El mayor tope lo logramos en el mes de julio (14.334) gracias a la canción favorita de Michael Jackson que acababa de fallecer. Un registro díficil de superar hasta ahora.

También dedicamos espacio a artistas que hasta esa fecha no sonaban en las radios y que gracias a nuestro olfato nos adelantamos al resto. Antes de sonar en la cadena 40 principales, nosotros ya habíamos hablado de Jason Mraz o Daniel Merriweather por ejemplo, e intuímos el boom que iba a suponer Alesha Dixon. Algunas de nuestras propuestas seguro que acabarán sonando tarde o temprano como The Veronicas, que internacionalmente ya empiezan a ser muy conocidas.

Nos hemos hecho eco de diferentes conciertos a lo largo de este tiempo. Desde los más internacionales como el de U2 en Barcelona, Bruce Springsteen, Franz Ferdinand o AC/DC en Bilbao, a los de un ámbito más local como el de Zarama en fiestas de Bilbao o M-Clan en Getxo.

Estar al tanto de noticias que son relevantes, ha sido también una de nuestras labores durante estos meses. Nos hicimos eco del retraso del próximo disco de Bunbury haciendo un seguimiento en el tiempo de lo que se iba conociendo sobre su lanzamiento. Acontecimientos como el aniversario de la caída del muro de Berlín, el último disco de Echo & The Bunnymen, o el de Elbow también tuvieron su espacio entre nosotros. Y la gira de U2 tuvo su lógica repercusión y creamos una sección dedicada a los irlandeses.

La televisión también ha sido fuente de inspiración. La serie Flashforward ha recibido un seguimiento por nuestra parte así como canciones de diferentes anuncios, desde el Waltzing Matilda de Orange al más reciente de Citröen C4 Picasso.

Nos adelantamos a la llegada del verano antes que otros al predecir que “When Love Takes Over” iba a sonar en todas partes. Reunimos en una categoría las interesantísimas anécdotas que dio de sí la vida de Joe Strummer en España. Hablamos sobre la nueva sensación pop que es Zenttric, y abrimos una secuela de videos musicales con presencia de modelos y profesionales del celuloide.

La diversidad de nuestras categorías nos ha llevado a abarcar distintos aspectos musicales. En nuestra sección de Canciones Con Historia hemos ido recogiendo lo que hay detrás de algunas de las canciones que todos conocemos. En clave de humor, repasamos musicalmente los primeros años 90. Comparamos a su vez canciones con sus versiones sin olvidarnos tampoco de los nuevos talentos. Tirar de memoria histórica, traeros otro tipo de músicas, repasar lugares donde se han hecho conciertos señalados, o hacer nuestros homenajes particulares a figuras de ayer y de hoy, son otras de las iniciativas que hemos impulsado con el objetivo de despertar la curiosidad de nuestros lectores.

Todo ello no tendría sentido sin el respaldo de los que acudís cada día a leer la entrada que colgamos diariamente. Por eso el balance que hacemos es tremendamente positivo y nos da un gran impulso para seguir dando guerra en este 2010. Queremos agradecer a todos los que habéis hecho posible que este fin de año sea así de exitoso para nosotros. A las casi 70.000 visitas que hemos recibido. Para que sigáis con nosotros y a ser posible ir aumentando la familia del Auricular Digital. Lo celebramos con vosotros por todo lo alto con Kool & The Gang.

El cuarteto bilbaíno Eightman

Continuamos en este 2010 descubriendo nuevos talentos, algo que es de agradecer y en este caso aún más ya que no proceden del mundo anglosajón sino de bastante más cerca. Son un cuarteto de Bilbao llamado Eightman, que acaba de sacar su primer disco titulado Louder. 10 canciones que han grabado con el reputado productor Paco Loco y que la independiente Discos De La Bahía ha decidido publicar a pesar de los tiempos de crisis que corren. La formación la integran Borja Urresti -cantante, guitarrista y principal compositor- Ander Arcaraz al bajo, que también ha aportado a la colección principal su granito de arena con alguna canción (The Red Houses), completándola el teclista Ignacio Mayoral y Javier Castro a la batería. La revista de referencia del mundillo indie Mondo Sonoro lo ha catalogado como uno de los 15 mejores discos del 2009 (el noveno concretamente) y su música, aunque parezca mentira, ya se pincha hasta en Alemania. En el poco tiempo que lleva en el mercado ya ha sonado en Radio Euskadi y lo han presentado en el Guggenheim.

La publicación musical les ve un cruce entre Teenage FanClub y The Wedding Present vía Velvet Underground. Bastante acertada su apreciación y yo añadiría incluso con toques americanos estilo The Byrds por ese gusto por el sonido limpio de la Rickembacker. La apuesta de cantar en inglés, sus melodías pop y su sonido ajustado al nivel de ruido necesario para cada canción, les lleva a ser una propuesta esperanzadora dentro del indie. Una grata impresión el debut de estos cuatro bilbaínos, que esperemos que poco a poco se vayan haciendo un hueco y superen las habituales dificultades propias de los inicios.

Si queréis oir algunas de sus canciones lo podéis hacer a través de su myspace, o mejor en vivo ya que hoy viernes tocan en la sala bilbaína Fever Santana 27 abriendo para ellos The Shaggin’ Wagon, banda de Astrabudúa que está dando también sus primeros pasos. El 30 de este mes tenéis la segunda oportunidad de verles en directo pero esta vez en Madrid.

Podéis comprar el CD o descargarlo online en la página de su discográfica.

Abajo tenéis unos videos para que os hagáis una idea de lo que hacen.

El grupo escocés Travis, siempre ha sido catalogado dentro del grupo de bandas que hacen música triste. Su origen viene de lejos, ya que en el año 1999, la banda sacaba al mercado el álbum The man who, un impresionante disco, con temas como Driftwood o Writing to reach you. Pese a esto, la crítica se ensañaba con ellos, pocas semanas después, llegando New Musical Express a decir, que “Travis estará mejor cuando dejen de intentar hacer discos tristes y clásicos”.

Parece ser que el crítico musical tenía poco futuro como adivino, ya que semanas después, la canción más triste del álbum, Why does it always rain on me, supuso el espaldarazo definitivo a su carrera. El tema en cuestión ganó 2 premios Brit Awards en el año 2000, y dos más en los premios Ivor Novello.

La letra era tan deprimente, que llega a afirmar en una de sus estrofas, que los relámpagos aparecen en su vida incluso en las extrañas ocasiones en las que sale el sol.

Este hecho, ocasionó una curiosa anécdota para la historia de la música, ya que en el festival de Glastonbury en el que participaban en el año 1999, cuando se encontraban con el preludio de cuerda de la canción, y tras varias horas de tiempo seco, comenzó a llover. Este acontecimiento, tuvo una gran repercusión en los medios de la época.

Letra de la canción

I can’t sleep tonight
Everybody saying everything’s alright
Still I can’t close my eyes
I’m seeing a tunnel at the end of all these lights

Sunny days,
Where have you gone?
I get the strangest feeling you belong

Why does it always rain on me?
Is it because I lied when I was seventeen?
Why does it always rain on me?
Even when the sun is shining
I can’t avoid the lightning

I can’t stand myself
I’m being held up by invisible men
Still life on a shelf when
I got my mind on something else

Sunny days
Oh! Where have you gone?
I get the strangest feeling you belong

Why does it always rain on me?
Is it because I lied when I was seventeen?
Why does it always rain on me?
Even when the sun is shining
I can’t avoid the lightning
Oh, where did the blue skies go?
And why is it raining so?
It’s so cold

I can’t sleep tonight
Everybody saying everything’s alright
Still I can’t close my eyes
I’m seeing a tunnel at the end of all these lights

Sunny days
Where have you gone?
I get the strangest feeling you belong

Why does it always rain on me?
Is it because I lied when I was seventeen?
Why does it always rain on me?
Even when the sun is shining
I can’t avoid the lightning
Oh, where did the blue skies go?
And why is it raining so?
It’s so cold

Why does it always rain on me?
Is it because I lied when I was seventeen?
Why does it always rain on me?
Even when the sun is shining
I can’t avoid the lightning
Why does it always rain on me
Why does it always rain on… on…

Gram Parsons, ha pasado a la historia de la música, no solo por ser uno de los primeros artistas en acercar la música country a los sonidos del rock, si no por la rocambolesca historia de su cuerpo una vez muerto.

Integrante de The Byrds y de The Flying Burrito Brothers, decidió emprender su carrera en solitario con el álbum GP en 1972, y con un álbum póstumo titulado  Grievorus Angel del año 1973. Su prematura muerte a los 26 años, truncó su carrera musical. Como otras estrellas de la música, una sobredosis, acabó con su vida, en Joshua Tree Inn.

The Flying Burrito Brothers “Christine’s Tune”

Músico bastante dado a los excesos, y buen amigo de Keith Richards de los Rolling Stones, sus espectaculares conjuntos Nudie, marcaron estilo, hasta que la muerte se lo llevó a tan temprana edad.

Lo curioso es que siempre había expresado su voluntad de que una vez muerto, sus cenizas se esparcieran por el desierto de Joshua Tree.  Y fue por este motivo, que intentando cumplir su última voluntad, su manager Phil Kaufman y su amigo Michael Martin, alquilaron un coche fúnebre y robaron el cuerpo de Gram del aeropuerto de Los Angeles. Desde allí pusieron rumbo al desierto de Joshua Tree y prendieron fuego al ataud.

Brass button de su álbum Grievorus Angel.

El caso es que tan buenas voluntades, fueron en vano, ya que la familia de Gram, muy acaudalada por cierto, rescató el cadáver del músico y se lo llevó a Nueva Orleáns, donde le dieron sepultura. Quizás gracias al accidentado viaje al otro barrio, Gram alcanzó una popularidad póstuma, que no hubiera tenido solo por su carrera artística.

En la primera década del siglo 21, surgieron numerosas bandas que aprovechando el camino que abrieron los New Kids on the Block, trataron de abrirse paso en el mundo de la canción, con la formula de bodybands. Chicos guapos, con voces angelicales y con numerosas fans locas por sus huesos. Podíamos citar muchos ejemplos de estas bandas, aunque Take That, Backstreet Boys, WestLife o East17, son buenos ejemplos de ello.

Stay another day

Estos últimos, East17, tuvieron un desenlace cuando menos curioso por las formas. El grupo por aquel entonces ya había empezado a tener problemas entre sus componentes. Nada anormal en un grupo de varios miembros, que no se pueda resolver hablándolo un poco. El caso es que un comentario de su cantante Brian Harvey, desencadenó la disolución del mismo. En unas declaraciones a un medio de comunicación, Harvey respaldó el uso de las drogas, llegando a afirmar haber ingerido 12 pastillas en alguna noche de fiesta. Nada que no resulte tendencioso en un músico poco cauteloso en sus palabras.

El caso es que la sociedad estaba aun consternada por la muerte de un joven llamado Leah Betts, que en un primer momento se informó que había muerto por un lote contaminado de éxtasis. Tras su muerte, se impulsó una campaña avisando sobre los peligros de la droga. Las palabras de Harvey fueron un jarro de agua fría para esta campaña, y muchas emisoras decidieron dejar de radiar las canciones de East17. Como consecuencia de todo el revuelo, Harvey fue expulsado de la banda y Tony Mortimer siguió sus pasos voluntariamente.

Its alright

En realidad, como la autopsia desveló después, Leah Betts, realmente murió por una inflamación de cerebro, por un excesivo consumo de agua. La suerte para el grupo ya estaba echada, y más cuando esta noticia, no fue difundida por los medios hasta casi un año después.

La disolución fue toda una sorpresa, ya que en ese momento era un grupo con mucho éxito, y con buenas perspectivas.

I’ll be there for you, es uno de los mejores ejemplos de asociación entre una canción y una serie. Escrita por los compositores de temas para televisión, Michael Skloff y Allee Willis, la letra de la misma plasma claramente su filosofía. El azar, o mejor dicho los gustos musicales de uno de los productores, hicieron que recayera este tema en el grupo The Rembrandts. Por aquel entonces Kevin Bright era el coproductor de la serie, y fan de la banda, y cuando andaban buscando a alguien que interpretara el tema, no dudó en contratar a The Rembrandts.

Lo curioso de la canción, es que pese a que nunca ha sido un gran éxito en las listas musicales (aunque sí fue número uno en el Billboard, y otras listas), es una de las canciones más reconocidas en el planeta. Solo escuchar los primeros acordes, nos traen a la memoria al grupo de protagonistas de la serie Friends delante de una fuente.

El tema empezó a sonar en la primera emisión de la serie, el 22 de septiembre de 1994, y desde entonces hasta ahora, no ha parado de radiarse en emisoras de medio mundo.

Letra de la canción

So no one told you life was gonna be this way
Your job’s a joke, you’re broke,
your love life’s DOA
It’s like you’re always stuck in second gear
When it hasn’t been your day, your week,
your month, or even your year, but…

I’ll be there for you
(When the rain starts to pour)
I’ll be there for you
(Like I’ve been there before)
I’ll be there for you
(‘Cause you’re there for me too)

You’re still in bed at ten,
though work began at eight
You’ve burned your breakfast,
so far things are going great
Your mother warned you
there’d be days like these
But she didn’t tell you when the world was brought down to your knees that…

I’ll be there for you
(When the rain starts to pour)
I’ll be there for you
(Like I’ve been there before)
I’ll be there for you
(‘Cause you’re there for me too)

No one could ever know me,
no one could ever see me
Seems your the only one who knows,
what it’s like to be me
Someone to face the day with,
make it through all the mess with
Someone I’ll always laugh with,
even at my worst I’m best with you – yeah

It’s like you’re always stuck in second gear
When it hasn’t been your day, your week,
your month, or even your year…

I’ll be there for you
(When the rain starts to pour)
I’ll be there for you
(Like I’ve been there before)
I’ll be there for you
(‘Cause you’re there for me too)

Hace ya algo más de un mes, el cantautor Victor Jara estuvo de actualidad en los medios de comunicación al celebrarse su funeral 36 años después de su muerte. La historia de su muerte es un hecho muy importante en la historia reciente de Chile, y hoy pasamos a contarla a grandes rasgos.

Victor Jara era un auténtico polifacético. Cantautor, poeta, actor de teatro y activista político, fue un claro seguidor del presidente socialista electo Salvador Allende.

El 11 de septiembre de 1973, el general Augusto Pinochet, dio un golpe de Estado en Chile, apoyado encubiertamente por Estados Unidos. Como consecuencia de esta sublevación militar, el depuesto presidente Salvador Allende fue asesinado.

A partir de entonces, los seguidores del antiguo presidente fueron perseguidos y muchos de ellos torturados y asesinados. Uno de ellos fue Victor Jara.

El Derecho de Vivir en Paz.

Como uno más de los muchos detenidos, fue llevado al Estadio de Chile, donde fue brutalmente torturado. Sufrió roturas de manos y costillas. Él no obstante, no renunció a sus ideas, y mientras era torturado, desafiaba a sus captores con la única arma que tenía a mano, su voz. Hasta que recibió el tiro que acabó con su vida, Victor Jara no paró de cantar a sus verdugos.

Te recuerdo Amanda

El cuerpo de Victor Jara, recibió 34 impactos de bala y fue abandonado al borde de un camino.

Victor Jara fue considerado el fundador del movimiento de la Nueva Canción Chilena y sus canciones protesta, pronto le convirtieron en un objetivo claro para los golpistas. Su primer álbum fue publicado en 1966, y lo más curioso es que una vez muerto, el nuevo gobierno trató por todos los medios de hacer desaparecer cualquier grabación original del compositor.

Manifiesto

Si no lo consiguieron del todo, fue gracias a su mujer Joan, que desafiando a las autoridades, se las ingenió para sacar fuera del país cuantas grabaciones pudo. En el año 2003, y en homenaje a Victor Jara, el estadio de Chile al que fue llevado, pasó a denominarse Estadio Victor Jara.

Muchos compositores se han hecho eco de este autor chileno. Pete Seeger, The Clash en su Washington Bullets donde citan textualmente “Please remember Victor Jara, In the Santiago Stadium”, o U2 en la canción One Tree Hill que dedicaron a Greg Carroll (asistente y amigo de Bono que murió en un accidente de moto),  de su álbum The Joshua Tree, donde cita “Jara sang, his song a weapon, In the hands of love (Jara cantó su canción, un arma en las manos del amor)”, son algunos ejemplos de ello.

Corría el año 1994, cuando la banda de soul escocesa Wet Wet Wet (Marti Pellow (cantante), Tommy Cunningham (batería), Graeme Clark (bajo), Neil Mitchell (teclados) y un quinto no oficial Graeme Duffin (guitarra)) recibió el encargo de componer un tema para la banda sonora de la película Cuatro Bodas y un Funeral protagonizada por Hugh Grant. El tema que presentaron fue una versión del clásico Love is all Around de los Troggs del año 1967.

La canción Love is all around, que sonaba al más puro estilo flower power en manos de los Troggs, fue sustituída por unos sonidos donde la cuerda adquiría más peso. Para los que desconozcan el tipo de música de Wet Wet Wet, decir que está canción no representaba para nada el estilo que trataban de marcar en sus trabajos. Y aquí radicó uno de los problemas.

La canción fue un éxito absoluto. Durante tres meses estuvo en el número uno en las listas del Reino Unido, y la gente asociaba erróneamente la canción con el estilo de música del grupo escocés. Esto llevó a la banda a anunciar la retirada de la venta de Love is all Around, cansados de la repercusión que había alcanzado el sencillo. El single dejo de ser número uno el 17 de septiembre de ese año, y fue desbancado por el pegadizo Saturday Night de Whigfield. Se da la casualidad que estaba a una semana de igualar el record de permanencia en el número uno de las listas, que tenía por aquella fecha Bryan Adams en las listas americanas. Es seguro, que de no haberlo retirado, hubieran superado esta cifra sin ningún tipo de dificultad. Wet Wet Wet es hoy un claro ejemplo, con esta curiosa anécdota, que no todos los grupos quieren la fama a cualquier precio.

La canción fue parodiada en la película Love Actually. Con el título de Christmas is all around, y en ella se cambiaba la frase come on and let it show por come on and let it snow.

Letra de la canción original

I feel it in my fingers
I feel it in my toes
Love is all around me
And so the feeling grows

It’s written on the wind
It’s everywhere I go, oh yes it is
So if you really love me
Come on and let it show, woh

You know I love you, I always will
My mind’s made up by the
way that I feel
there’s no beginning,
there’ll be no end
’cause on my love you can depend

I see your face before me
as I lay on my bed, um
I kinda get to thinking
of all the things you said, oh yes I did
You gave your promise to me and I
gave mine to you
I need someone beside me
in everything I do, oh yes I do

You know I love you, I always will,
my mind’s made up by the
way that I feel
there’s no beginning,
there’ll be no end
’cause on my love you can depend

Gotta keep it moving

Oh It’s written in the wind
oh everywhere I go, yeah, oh well
so if you really love me, love me, love me
come on and let it show, oh
come on and let it show
come on and let it
come on and let it (come and let it show, baby)
come on, come on, come on, come on let it show baby
come on and let it show
come on and let it show, baby
come on and let it show

Estamos en los primeros días del recién estrenado año y los buenos propósitos se apoderan de todos nosotros. O eso dicen porque luego siguen existiendo los mismos des-propósitos de siempre. Nosotros ni nos vamos a poner a dieta, ni nos apuntaremos a un gimnasio ni a clases de inglés. Y además para empezar con fuerza y aprovechando que hoy es la noche de los Reyes Magos, repartiremos regalos y carbón a uno de los representantes clave del rock en español, Loquillo.

Recientemente acaba de salir al mercado una caja recopilatoria con una selección de la extensa trayectoria del catalán (afincado en Donosti desde hace años) titulada 30 años de rock. Un producto necesario para resumir las 3 décadas de su carrera en las que ha pasado a convertirse en un personaje fundamental para explicar el rock cantado en castellano. Desde sus triunfales años 80 y principios de los 90, hasta la acertada reconversión de finales del pasado siglo, Loquillo acompañado de Los Trogloditas o en solitario, ha logrado formar una obra envidiable y que con el paso del tiempo se vuelve si cabe más importante.

Crecí con las canciones más famosas de su repertorio cuando Sabino Méndez (su principal compositor de grandes éxitos) aún estaba dentro del grupo. La banda sonora de mi adolescencia y juventud se compone de muchas de ellas como Cadillac Solitario, El Ritmo del Garaje, El Rompeolas, La Mataré, Autopista, Rock Suave, En Las Calles De Madrid o Barcelona Ciudad. Espléndidos retazos de un grupo que llegó a lo más alto y que después de la traumática salida de Méndez, supo enfocar su futuro más o menos con autenticidad. Hasta aquí los regalos de Reyes para el amigo Loquillo.

El carbón se lo voy a dar por diferentes razones. Su personaje nunca me lo he creído, ni antes ni ahora. Su imagen de tipo con principios, decidido, chulo, incorruptible, amigo de sus amigos, ilustrado y culto, no me lo he tragado jamás. En la independiente DRO todavía se acuerdan de él en sus tiempos dorados de los 80 cuando les aseguraba rotundamente que no iba a fichar por ninguna multinacional. Incluso su hoy amigo y colaborador Sabino, enfrentado a él durante tantos años, cuestionaba ese papel que adoptaba en público y que difería bastante de su verdadera imagen detrás del escenario. Seguramente ahora que son amiguetes no sostenga lo mismo pero escrito está en su primer libro Corre Rocker.

Su abrazo a los personajes más rancios y extremistas de la derecha le hacen también acreedor a otro ladrillo de carbón. Motivado por la marginación que ha sufrido en Cataluña por no seguir el paso del nacionalismo catalán, ha encontrado en Jiménez Losantos y César Vidal a dos compañeros de fatigas en sus críticas a Cataluña. El enemigo les ha unido (además Méndez también se ha juntado a este entrañable grupo después de limar asperezas con el cantante). Es posible que Loquillo se haya podido sentir ninguneado por los nacionalistas, desconozco el dato, pero desde hace algún tiempo el partido que gobierna es el PSOE, así que no sé cuál es su argumento en este caso.

La “amistad” con estos ex-periodistas de la COPE resulta sorprendente cuando este hijo de republicano se sentía orgulloso de ello como escribía en su libro El Chico de la Bomba. Dicen que la política hace extraños compañeros de cama, y algo parecido debe haber en ello. Resulta también sonrojante leer en el blog de Sabino Méndez la alabanza que hace a Losantos y a Vidal, mezclado con un apoyo a la teoría de la conspiración en el 11-M. Del todo bochornoso.

Como broche final dos entrevistas que resultan similares tanto en las preguntas como en el peloteo mutuo, y que a veces dan ganas hasta de vomitar. Como se suele decir, separemos la obra de la persona.

Después de los atracones navideños de rigor y la inevitable despedida del 2009, comenzamos nuestra andadura en este 2010 con una noticia musical para ir poco a poco desesperezándonos tras tantos días de asueto y descanso. Las nominaciones a los Globos de Oro a la mejor canción ya se han hecho públicas, son estas:

“CINEMA ITALIANO” — NINE
Music & Lyrics by: Maury Yeston

“I WANT TO COME HOME” — EVERYBODY’S FINE
Music & Lyrics by: Paul McCartney

“I WILL SEE YOU” — AVATAR
Music by: James Horner, Simon Franglen
Lyrics by: James Horner, Simon Franglen, Kuk Harrell

“THE WEARY KIND (THEME FROM CRAZY HEART)” — CRAZY HEART
Music & Lyrics by: Ryan Bingham, T Bone Burnett

“WINTER” — BROTHERS
Music by: U2
Lyrics by: Bono

T Bone Burnett, Paul McCartney y U2 compitiendo por unos premios. Veremos quién de estos 3 se lleva al gato al agua. Sobre los irlandeses comentaros que además lo hacen curiosamente con una canción que no ha sido publicada en ningún disco. Winter formaba parte de la banda sonora del film Linear que se adjuntaba en el DVD junto a su último trabajo No Line On The Horizon. Este documental dirigido por Anton Corbijn narra el viaje de un motorista (Saïd Taghmaoui)  que partía desde París hasta Cádiz atravesando la península ibérica. La canción fue escrita para el film Brothers del directo Jim Sheridan con el que el grupo tiene una estrecha relación desde hace años (En El Nombre Del Padre, etc). Se da también otra especial circunstancia en relación a esta canción y es que la versión que compite a estos premios es diferente a la que aparece en Linear.

Los irlandeses compusieron dos canciones a petición de Sheridan, la ya mencionada Winter y White As Snow, que esta sí que fue incluída en el que hasta ahora es su último álbum. Ambas tenían como telón de fondo la guerra de Afganistán. Brothers trata de un triángulo amoroso entre dos hermanos (Jake Gyllenhaal y Tobey Maguire) y una mujer (Natalie Portman), con una misión militar en aquel país asiático que termina por complicarlo todo. Os dejo con la versión que aparece en Linear y después con la que opta a estos premios que, según dicen, son la antesala a los Oscars.

Colaboración de Anitafever (lectora del blog) para Auricular Digital.

Después de enfermar de éxito, Mónica necesitó estar siete años alejada de los focos para reencontrarse a sí misma. Tiempo de ausencia en el que la cantante aprendió a quererse, a recuperar la ilusión por cantar y a superar su miedo escénico. Su mejor cura, lanzar un disco alternativo titulado Tarántula, con el que consiguió en Marzo de 2008 alcanzar la primera posición en la lista de ventas de singles española con Europa.

A este disco le siguió Stage, un CD + DVD con la grabación del concierto que realizó el 19 de septiembre del 2008 en Madrid, dentro de su gira Tarántula Tour. Pero la cosa no acababa hay, ya que la pantera de Figueras quería mostrar que había vuelto más fiera que nunca, y así en 2009 se embarcó en una gira por toda España. Adagio tour quería lograr la proximidad con su público y para eso, nada mejor que reinventar sus temas más conocidos.

Mónica quería volver a hacerlos suyos, poder poner toda su alma en ellos y darles un nuevo significado. Para ello se rodeó de una orquesta sinfónica  y con la ayuda del compositor Pepe Herrero, se puso manos a la obra en la selección del repertorio así como en los arreglos del mismo. El 14 de mayo del 2009, Mónica empezó en Granada la gira  MN Adagio Tour acompañada de la Symphonic Film Orchestra de Madrid y del  coro Nur. Con gran acogida por parte de la crítica, sólo dos puntos lograron ensombrecer su gira, su público le recriminó el precio excesivo de sus conciertos y la falta de algunos de sus temas más conocidos y queridos por sus fans. Pero la cantante salió del paso asegurando que las canciones habían sido escogidas en base a una historia que quería desarrollar en el Adagio tour y que las actuaciones en teatros tal vez no fuesen rentables, pero la cercanía de su público sería su gran recompensa. Pero en la mitad de la gira, mostrando que había vuelto con más fuerza que nunca, llevó a cabo otro proyecto.

Video promocional de Adagio

Mónica tenía todavía una asignatura pendiente, volver a México, país que la lanzó a la fama cuando nadie apostaba por ella. Aunque la artista explicó que Tarántula había sido grabado en España y que por tanto Adagio debía grabarse en México, otros aseguraban que era una manera de reconciliarse con su querido público mexicano enfadado todavía por unas supuestas declaraciones en las que Mónica decía que antes de su llegada en México sólo se escuchaban rancheras. A pesar de que la periodista se retractó, los mexicanos seguían recelosos de su gran diva por lo que Mónica se lo jugaba todo a una carta. Y la partida la ganó el 16 de Octubre en el Teatro de la Ciudad de México.

Adagio. Desátame

Con un público totalmente entregado, Mónica fue desarrollando sus 16 temas, los mismos que en su gira española con la única excepción del cambio de “Óyeme” por “Idilio” , acompañada de la Orquesta Filarmónica de México dirigida por Pepe Herrero logrando levantar a los casi 1300 asistentes de sus butacas en varias ocasiones. Y todo esto lo logró con una puesta en escena muy sencilla, con tres cambios de vestuario y con su poderosa voz. Mónica así cumplía su sueño, volver al teatro, volver a lo clásico y volver a México.

El 1 de diciembre se puso a la venta en España y el 10 de diciembre en México en dos ediciones: pack especial de edición limitada en formato libro y edición cristal no limitada que también contiene el CD + DVD.

Adagio. Usted

CD:

Leitmotive (El despertar)
Europa
Inmensidad
Desátame
Que imposible
Usted
Empiezo a recordarte
Sobreviviré
Óyeme
Todo mentira
Leitmotive (La soledad)
Siempre fuiste mío
Kambalaya
Ámame o déjame
Amor y lujo
Leitmotive (El reencuentro)

DVD:

Leitmotive (El despertar)
Europa
Inmensidad
Desátame
Que imposible
Usted

Leitmotive (La inocencia)
Empiezo a recordarte
Sobreviviré
Óyeme

Todo mentira
Leitmotive (La soledad)
Siempre fuiste mío
Kambalaya
Palabras de Mónica a la audiencia
Ámame o déjame

Amor y lujo
Leitmotive (El reencuentro)

Más el contenido extra con el making realizado en México

Entre sus proyectos más próximos, se espera la publicación del dueto de la canción give a little love que ha grabado junto a Tom Jones y que se incluirá en la reedición del disco 24 hours del galés.

Mientras tanto, Mónica continuará viajando de ciudad en ciudad con la segunda parte de su Adagio tour hasta Marzo del próximo año.

Desde que han arrancado las navidades del 2009, Citroen ha lanzado un anuncio de televisión para promocionar el Citroen C4 Picasso, cuya música nos trae recuerdos de hace un par de años y que seguramente muchos tratarán de buscar por la Red.

El nombre de la canción es Hey There Delilah, y forma parte del álbum que editó en el 2005 el grupo Plain White T con el nombre All That We Needed. La verdad es que tardó bastante en convertirse en un éxito, ya que tuvieron que pasar casi dos años para que llegará a ser número uno en las listas americanas.

La canción resultó un verdadero trampolín para el grupo, que no dudaron en incluir el mismo tema con arreglos, como bonus track en su siguiente álbum titulado Every Seconds Counts.

Nominada a los grammys del 2008 como mejor canción, finalmente se quedó a las puertas, ya que fue Amy Winehouse la ganadora.

Aquí os dejo el video de la canción dirigido por Jay Martin.

Si quieres descargar la canción, pincha en la carátula y selecciona el fichero que quieres bajarte.

Letra de la canción:

Hey there Delilah
whats it like in new york city
im a thousand miles away
but girl tonight you look so pretty
yes you do
time square cant shine as bright as you
i swear its true

hey there delilah
dont you worry about the distance
im right there if you get lonely
give this song another listen
close your eyes
listen to my voice its my disguise
im by your side

oh its what you do to me
oh its what you do to me
oh its what you do to me
oh its what you do to me
what you do to me

hey there delilah
i know times are gettin hard
but just believe me girl
someday ill pay the bills with this guitar
we’ll have it good
we’ll have the life we knew we would
my word is good

hey there delilah
ive got so much left to say
if every simple song i wrote to you
would take your breath away
id write it all
even more in love with me youd fall
we’d have it all

oh its what you do to me
oh its what you do to me
oh its what you do to me
oh its what you do to me

a thousand miles seems pretty far
but they’ve got planes and trains and cars
id walk to you if i had no other way
our friends would all make fun of us
and we’ll just laugh along because we know
that none of them have felt this way
delilah i can promise you
that by the time that we get through
the world will never ever be the same
and youre to blame

hey there delilah
you be good and dont you miss me
two more years and youll be done with school
and ill be makin history like i do
you know its all because of you
we can do whatever we want to
hey there delilah heres to you
this ones for you

oh its what you do to me
oh its what you do to me
oh its what you do to me
oh its what you do to me
what you do to me

Traducción:

Que hay Delilah

Que hay Delilah
Cómo es allá en Nueva York.
Yo estoy a mil millas de distancia
Pero niña, esta noche te ves tan hermosa
Si que te ves hermosa.
El “Time Square” no brilla tanto como tu
Juro que es verdad .

Qué hay Delilah
Que no te preocupe la distancia
Estaré ahí si te sientes sola
Escucha de nuevo esta canción
Cierra tus ojos
Escucha mi voz, es mi disfraz
Estoy a tu lado

Oh es lo que me haces
Oh es lo que me haces
Oh es lo que me haces
Oh es lo que me haces
Lo que tu me haces

Qué hay Delilah
Se que los tiempos se ponen difíciles
Pero sólo créeme niña
Algún día pagara las cuentas con esta guitarra
Lo tendremos bien
Tendremos la vida que sabíamos tendríamos
Mi palabra es buena

Qué hay Delilah
Tengo mucho aún que decir
Si cada canción que te escribí por simple que haya sido
Te quitara el aliento
Las hubiera escrito todas
Y mas te habrías enamorado de mi
Lo tendríamos todo.

Oh es lo que me haces
Oh es lo que me haces
Oh es lo que me haces
Oh es lo que me haces

Mil millas pareces ser mucho
Pero hay aviones y trenes y carros
Caminaría hacia ti si no hubiera otra manera de llegar
Nuestros amigos se burlarían de nosotros
Y simplemente nos reiríamos también de eso por que sabemos
Que ninguno de ellos se siente así
Delilah puedo prometerte
Que por el tiempo que pasemos
El mundo nunca será igual
Y tu eres la culpable.

Qué hay Delilah
Se buena y no me extrañes
Dos años más y terminarás con la escuela
Y yo estaré haciendo historia como lo hago
Sabes que todo es por ti
Podemos hacer lo que queramos
Hey Delilah esto es para ti
Esta es para ti

Oh es lo que me haces
Oh es lo que me haces
Oh es lo que me haces
Oh es lo que me haces
Lo que tu me haces

Nuestra categoría de Escenarios Singulares sigue su curso por lugares históricos y esta vez nos detenemos en el sureste de Francia, exactamente en la localidad de Orange. En este lugar a 20 kilómetros al norte de Aviñón,  podemos encontrar como vestigios de su pasado romano un Arco del Triunfo (declarado Patrimonio de la Humanidad) y un teatro antiguo que es uno de los que mejor se conservan en la actualidad. En este último se celebra un festival de ópera desde finales del siglo XIX, por el que han pasado las grandes figuras del bel canto. Y también se han hecho algunos conciertos de música “moderna”, que es lo que de verdad nos interesa para esta sección.

En agosto de 1986, The Cure-una de mis debilidades desde mediados de los 80-actúo durante dos noches (el 9 y 10) en ese monumental escenario. Ese verano cerraban la gira del disco The Head On The Door, con el que consiguieron un mayor éxito comercial y con el que comenzaron una segunda etapa ascendente que no abandonarían hasta su estancamiento hacia mediados de los 90. En ese álbum habían sabido conjugar con maestría las dos vertientes que hasta ese momento habían plasmado en sus trabajos anteriores, la más oscura y siniestra, con la más popera y accesible. El grupo de Robert Smith atravesaba por un momento dulce y el concierto en Orange así lo demostró. Decidieron filmarlo para la posteridad con el artífice de sus mejores videos, el realizador Tim Pope.

El VHS no saldría al mercado hasta 1988. Recuerdo que un compañero de clase lo consiguió tras una búsqueda exhaustiva por las tiendas especializadas de la ciudad. La distribución de este tipo de grabaciones no era tan masiva y acceder a ellas era algo parecido a encontrar un valioso tesoro. Una tarde nos citó en su casa y nos dispusimos a ver la cinta como si de un selecto cine-club se tratara. No perdimos detalle, cualquier variación-por nimia que fuera-de algún pasaje de las 23 canciones incluídas, la destacábamos con especial emoción. La entrada del grupo en el escenario tiene su anécdota como podréis ver en el primer video. El final también tiene su cosa. El grupo una vez terminada la actuación sube a lo alto del teatro y saluda al público detrás de la estatua del emperador mientras suena la canción que da paso a los créditos. Abajo una selección de lo que os podéis encontrar en este singular concierto.

Hoy os informamos de una importante exclusiva que seguramente va a dar mucho que hablar en los próximos meses.  Fuentes cercanas al entorno del grupo Zarama, nos habían puesto en aviso de un rumor que llevaba días rondando por el ambiente del mundillo musical y que hoy se ha confirmado en su entrada de la wikipedia. Después de su exitoso regreso tras 15 años de silencio, Roberto Moso y compañía han decidido dar un paso más en su carrera musical.

Con miras a ampliar el ámbito geográfico de acción, han decidido lanzarse a la aventura por tierras gallegas. En un paso previo a la expansión definitiva por Galeusca (Galicia, Euskadi y Cataluña),  se han armado de valor y han contratado a la primera vocalista femenina en la historia de la banda.  Se trata de Lola Lixo, cantante folk ferrolana, cuyos orígenes en el mundo de la música son extraordinariamente curiosos, como hemos podido comprobar a través de la wikipedia. Según nos han adelantado, en un principio, el proyecto está pensado para que Lola, además de servir de lanzadera en la región, aporte su lado más folk tanto a la música como a la letra del nuevo álbum de Zarama. Incluso alguno de los temas del nuevo disco serán cantados íntegramente en gallego, por lo que Roberto tendrá que empaparse de esta lengua centenaria. El proyecto se encuentra bastante avanzado y el disco versará sobre problemáticas del ámbito gallego. Los percebeiros ilegales, la sobreexplotación del camino de Santiago, y el éxodo de la Galicia rural, están en la lista de temas a tratar.

Por otro lado, y para que su música resulte más cercana, el grupo ha decidido que uno de sus componentes, en este caso Tontxu Tabares, absorba toda la tendencia folk actual existente en Galicia. Tras varios viajes a A Coruña y de un encuentro con artistas de la talla de Susana Seivane, Cristina Pato o Xoxé Manuel Budiño, el grupo ha decidido adoptar el sonido de la gaita a sus composiciones. Como la capacidad pulmonar de los componentes no está para tirar cohetes, han decidido apoyarse en las nuevas tecnologías. Gracias a un nuevo software de la empresa Microsoft, las cuerdas de la guitarra de Tontxu Tabares sonarán como si estuviese tocando una gaita. La destreza en las nuevas tecnologías del teclista Joseba Lafuente harán posible la conexión entre ambos instrumentos.

Zarama junto a Lola en una foto promocional

Según hemos podido consultar, será el primer grupo profesional en utilizar este complejo programa, por lo que es de suponer que altos directivos de la multinacional de Bill Gates, acudirán al primer concierto que se ofrezca en Galicia. En un principio la empresa pensó en patrocinar una gira por tierras gallegas, aunque la crisis actual tan acuciante, de momento, ha paralizado el proyecto. Lo que sí está confirmado, según nos hemos enterado, es que Zarama participará, en el concierto multitudinario que tendrá lugar en Santiago coincidiendo con el año Xacobeo. La lista de artistas aún no está cerrada, aunque por presencias en jubileos de años anteriores no sería raro ver a Zarama compartir escenario con U2, The Killers o Raphael. Consultado Roberto Moso, nos ha comentado que sus preferencias para compartir escenario se debaten entre artistas con los que tiene especial sintonía como Raphael y Bunbury.

Grupo Garbage

Este nuevo año además puede ser muy ilusionante para el grupo, ya que se conmemora el año del reciclaje, y en la localidad alemana de Hannover se va a organizar un macroconcierto para incentivar su uso entre los europeos. La Unión Europea ha tenido la feliz idea de reunir a todos aquellos grupos que tengan algo que ver con este tema, y Zarama (basura en castellano), ha sido uno de los elegidos por llamar a su vuelta a los escenarios Gira de la Basura Reciclada (Zarama Birziklatuaren Bira)

Grupo Gunoiul

Si las previsiones no fallan, y no hay caídas de cartel de última hora, compartirán canción con el famoso grupo Garbage (basura en inglés), y con un grupo de gitanos zíngaros llamado Gunoiul (basura en rumano). Esperamos que estos últimos no pasen la gorra después del concierto como suele ser habitual entre fanfarrias de este tipo.

Todo estos movimientos pueden parecer chocantes para alguien que no haya seguido la trayectoria de estos 15 años de silencio del grupo. Muy pocos saben que Zarama hace casi ya 5 años, iniciaron una serie de conciertos por Latinoamérica, con relativo éxito. Por aquel entonces, se rodearon de artistas locales y compartieron música con ellos. Es muy raro verles tocar este tipo de música, pero en youtube existen videos que lo confirman. Con registros totalmente antagónicos a los que estamos acostumbrados, Zarama grabó varios singles. Para la ocasión hemos elegido dos. La primera se llama “Desprecio“, y que aunque no esta cantado por Roberto Moso (por cuestiones de cortesía se suele dejar que el artista local haga la voz principal), en la letra de la misma se puede apreciar el incofundible toque romántico y personal de Roberto. Atentos a la letra de la canción, ya que es autobiográfica. Es el desamor que sufrió uno de los miembros de Zarama cuando fue rechazado por la modelo del video al  intentar seducirla.

La segunda de ellas, se titula Si tu te vas, y es una actuación en la televisión colombiana. Como podeis apreciar, aparece claramente en la pantalla el nombre del grupo. Es más, apareció un politono de esta canción. Para los mas observadores, mejor dicho, para la gente de buen oído, podreis advertir la presencia de varios componentes del grupo haciendo los coros, al más puro estilo Tennessee, cuando repite el cantante la frase Si tu te vas. Que hayamos podido descifrar, se encuentra Roberto, Javi y Joseba.

Da la casualidad que un alto cargo de la iglesia cristiana  Don Luis Rafael Zarama Pasqualetto se encontraba en la zona, justo cuando Zarama ofrecía los conciertos en Colombia. Dada lo coincidencia de su apellido con el nombre del grupo, decidió hacerles una visita a su camerino. Tras una cordial charla sobre lo divino y lo humano, Roberto se comprometió a componer una canción promocional para la diócesis que dirige el arzobispo Luis Rafael.

Suponemos que desde el blog de Zaramatimes o el de Galería33, tendremos noticias “oficiales” de lo dicho en esta página.

Los discos con canciones sobre la Navidad son una tradición en el mundo de la música. Este año incluso el “raro” de Bob Dylan ha sacado uno de carácter benéfico, Christmas In The Heart (lloviéndole críticas por cierto) o el tántrico amazónico de Sting con su If On A Winter’s Night, se han sumado a esta clásica costumbre. Aunque este tipo de obras en algunos casos suelen rezumar intereses ajenos al artístico o pueden parecer que sirven para cubrir un hueco en la discografía del autor de turno en otros,  la verdad es que desde hace mucho tiempo los artistas han interpretado canciones de temática navideña. En algunos países más que en otros bien es cierto. Muchos son los discos que se han grabado y nosotros hemos seleccionado dos que desde aquí os queremos recomendar y que a buen seguro no os defraudarán.

Pincha en la portada para descargar torrent

El primero de ellos es una recopilación que salió en el año 2002 bajo el nombre de Christmas With The Rat Pack. La “Pandilla de Ratas” más famosa del mundo Frank Sinatra, Dean Martin y Sammy Davis Jr (Peter Lawford y Joey Bishop también la completaban) interpretando canciones de navidad. Los más golfos de la farándula eran también unos excelentes artistas del show business. Siempre es grato oir a “La Voz”, a Dino o a Sammy y en esta compilación podemos encontrar por qué fueron tan grandes durante tanto tiempo. Os incluyo unos videos de algunos de los cortes. El listado completo lo tenéis después.

“I’ve Got My Love to Keep Me Warm,” Dean Martin
“Mistletoe and Holly,” Frank Sinatra
“Christmastime All Over the World” (previously unreleased), Sammy Davis, Jr.
“The First Noel,” Frank Sinatra
“Baby, It’s Cold Outside,” Dean Martin
“I Believe,” Frank Sinatra
“Silver Bells,” Dean Martin
“The Christmas Song,” Sammy Davis, Jr.
“Hark! The Herald Angels Sing,” Frank Sinatra
“Rudolph the Red-Nosed Reindeer,” – Dean Martin
“The Christmas Waltz,” Frank Sinatra
“Let It Snow! Let It Snow! Let It Snow!,” Dean Martin
“Have Yourself a Merry Little Christmas,” Frank Sinatra
Medley: “Peace on Earth/Silent Night,” Dean Martin
“Jingle Bells,” Sammy Davis, Jr.
“White Christmas,” Dean Martin
“It Came Upon a Midnight Clear,” Frank Sinatra
“Winter Wonderland,” Dean Martin
“I’ll Be Home for Christmas (If Only in My Dreams),” Frank Sinatra
“A Marshmallow World” (from The Dean Martin Christmas Show), Frank Sinatra and Dean Martin
“Auld Lang Syne” (live), Frank Sinatra and Dean Martin

Pincha en la portada para descargar torrent

El otro como habéis podido comprobar por la portada es uno de Chris Isaak titulado simplemente Christmas. Salió al mercado en el 2004 y servía de paréntesis entre el anterior, el espléndido Always Got Tonight (2002) y el Grandes Exitos del 2006. El californiano acumula una carrera dilatada y goza de una gran reputación en su país, donde tiene además un programa de televisión llamado The Chris Isaak Hour. Este mismo año acaba de sacar su decimotercer disco Mr Lucky, que ha obtenido buenas críticas y cuyo primer single conserva su habitual sonido y su voz sugerente. A continuación tenéis los videos de algunas de las canciones que integran el álbum y luego su correspondiente listado.

“Rudolph the Red-Nosed Reindeer” (Johnny Marks)
“Have Yourself a Merry Little Christmas” (Hugh Martin, Ralph Blane)
“Santa Claus Is Coming to Town” (J. Fred Coots, Haven Gillespie)
“Washington Square”
“Blue Christmas” (Bill Hayes, Jay Johnson)
“The Christmas Song” (Mel Tormé, Robert Wells)
“Hey Santa!”
“Let It Snow” (Sammy Cahn, Jule Styne)
“Christmas on TV”
“Pretty Paper” (Willie Nelson)
“White Christmas” (Irving Berlin)
“Mele Kalikimaka” (R. Alex Anderson)
“Brightest Star”
“Last Month of the Year” (Traditional)
“Gotta Be Good”
“Auld Lang Syne” (Traditional)

Ha pasado el tiempo desde que The Verve se disolvieran por segunda vez y no se sabía nada de Richard Ahscroft. Un silencio sospechoso que abría un abanico de interrogantes. La posible continuidad del grupo después de haber publicado un nuevo disco (Fourth) o la vuelta a su carrera en solitario para preparar su cuarto trabajo de estudio. La incógnita parece que se ha despejado. Tras rumores de posibles desavenencias entre los miembros del grupo, parece que el segundo final de The Verve es un hecho. Por lo que se comenta, el cantante se ha puesto manos a la obra por su cuenta y ya está colaborando con el rapero No Id como productor. Una noticia que ciertamente me desconcierta ya que no alcanzo a imaginar qué le podrá aportar alguien tan alejado de su estilo musical en esas labores de producción. Veremos qué es lo que da de sí esta relación en el futuro. De momento el de Wigan ha participado en el cortometraje The Journey con una canción del mismo título. El film protagonizado por Emma Thompson, aborda el problema de la explotación sexual de las mujeres. Los beneficios que reporte la canción irán para la fundación británica  Helen Bamber Foundation que se encarga de ayudar a rehacer las vidas de los que han sufrido la violación de sus derechos humanos.

De momento The Journey, para bien o para mal, no supone ningún cambio ni ruptura con su sonido anterior. Tal vez sea el momento para que Ashcroft inicie un giro estilístico con su nueva entrega discográfica aunque sea de la mano de un rapero. Espero que no pase tan desapercibido por estos pagos como con su anterior disco, el interesante Keys To The World. Ya queda menos por lo que parece para que salgamos de dudas y comprobemos el resultado final de esta extraña pareja.

ACTUALIZACION a 16-01-2010: Ya se sabe algún detalle más de su nuevo trabajo. Saldrá a la venta a finales de Marzo y llevará como título Redemption. También ha colaborado en la mezcla del disco un viejo conocido del de Wigan, Chris Potter, con el que ya ha trabajado en proyectos anteriores. En la gira posterior le acompañará la banda a la que él mismo ha bautizado como United Nations Of Sound. Esperamos con ansiedad su primer single para saber por dónde van los caminos musicales de Richard Ashcroft en esta ocasión.

ACTUALIZACION a 19-01-2010: Se acaba de subir a youtube su nuevo single titulado Are You Ready?. El video no permite la inserción pero os dejamos el enlace para que lo podáis ver: Are You Ready?

Ya que nos encontramos en la antesala de las fechas navideñas, hemos decidido insuflar a nuestra entrada de hoy, ese espíritu tan característico de estas fechas y que desgraciadamente muchos perdemos con el paso de los años.

Nuestro viaje musical de hoy, comienza hablando del ferrocarril transiberiano. Esta red ferroviaria cruza la ancha extensión de Rusia, conectando la parte occidental, con Mongolia, China, y zonas rusas limítrofes del oriente.

Inspirado en este tren, Robert Kinkel bautizó a su grupo musical como Trans-Siberian Orchestra, al entender que al igual que el tren, la música conecta muchas culturas.

Supongo que para muchos de vosotros este grupo es bastante desconocido. Los expertos los catalogan dentro del “metal sinfónico, rock progresivo y heavy metal, con influencias de la música clásica”, y la verdad es que no suenan nada mal. Son conocidas por sus versiones de clásicos de navidad, y para que tengáis una idea de la música que hacen os dejo una versión de la 5º de Beethoven.

Desconozco si por admiración hacia el grupo, o porque su música encajaba a las mil maravillas con sus intenciones, Carson Williams, ingeniero eléctrico de profesión,  ha dejado su impronta en su barrio, con unas luces navideñas en su casa de Ohio, dignas de cualquier centro comercial. Para su primer proyecto, se gastó 10.000 $ en implantar su proyecto, y se calcula que unas 25.000 luces se encendían y apagaban al ritmo de canciones de Trans-Siberian Orchestra.

El tipo en cuestión se lo trabaja, ya que para no molestar a sus vecinos con semejante despliegue, ha puesto señales cerca de su casa para que al sintonizar un dial en concreto de la FM, se pueda escuchar la música que acompaña a las listas.

Según he leído en otra página, para todo este despliegue se ayuda de un software llamado Light-O-Rama. Y le ha debido ir bien el invento, ya que tiene su propia empresa. Os muestro el resultado en una serie de videos (la calidad de algunos no es muy buena).

Continuamos con nuestra saga personal de entradas con videos protagonizados por personalidades ajenas a la música. Esta vez os traemos 3 videos de artistas tan distintos como Maroon 5, Elton John y Savage Garden.

Los californianos Maroon 5 debutaron con Songs About Jane, un disco que les catapultó a lo más alto de las listas de medio mundo. Jane, la ex-novia del cantante Adam Levine, parece que le dio el juego suficiente como para escribir unas cuantas canciones. She will be loved fue el tercer single de la banda de Los Angeles y el segundo en entrar en el top 10 en USA. Para su promoción filmaron un video en el que Levine es seducido por la madre de su novia, al estilo de la película El Graduado de Dustin Hoffman. En el papel de madre se hicieron acompañar por Kelly Preston, actriz y esposa de John Travolta, y en el de hija por la sobrina de Jim Carrey, Corrine Carrey.

En el 2001 sir Elton John sacó al mercado Songs From The West Coast, el vigésimo séptimo álbum de estudio, se dice pronto. Para su primer sencillo rodó un video con Robert Downey Jr, de actualidad por haber protagonizado el Sherlock Holmes de Guy Ritchie. En el video, el actor le suplanta a la hora de cantar a Reginald Kenneth Dwight que es como realmente se llama el cantante y pianista británico.

El dúo australiano Savage Garden terminó su carrera en 1999 con el disco Affirmation. Con el single I knew I loved you consiguieron su  segundo número 1. A pesar de que fue la canción que más sonó durante ese año en las radios estadounidenses, la pareja se disolvió dos años más tarde. La actriz Kirsten Dunst fue la elegida para hacer el papel de la chica amada de la que habla la canción. La actriz de Entrevista con el Vampiro y Spiderman, ha pasado recientemente un bache en su carrera ya que ingresó en un centro para tratar la depresión que sufría. Parece que ha conseguido remontar este bache y ya está involucrada en nuevos proyectos cinematográficos.

Un día más abrimos la puerta a nuestra sección qué canción es mejor y en esta ocasión hemos elegido a Run, Run, Run de The Velvet Underground. Los neoyorkinos de Lou Reed, John Cale y compañía se sacaron de la manga en 1967 junto a Nico, un disco que sigue siendo una referencia obligada en la música popular. Su inconfundible tapa con el plátano en la portada incluía joyas como I’m Waiting For The Man o Heroin, y fue la semilla que hizo germinar múltiples tendencias entre los grupos que surgieron posteriormente. Los protegidos de Andy Warhol tuvieron una carrera efímera pero tremendamente decisiva, y este es un buen ejemplo de ello.

Los británicos Echo & The Bunnymen son unos de sus fervientes admiradores y a lo largo de su trayectoria han realizado diferentes versiones de sus canciones. There She Goes Again, Pale Blue Eyes, Sister Ray, Heroin o Foggy Notion han pasado por las manos de los de Liverpool. Abajo podemos ver una actuación en televisión en 1985 con un joven Billy Bragg colaborando con ellos a la guitarra.

En 1989 un grupo indie llamado The Motorcycle Boy se atrevió en su único disco a dar su particular visión de la canción. Y la verdad es que no les quedó del todo mal. A pesar de publicar 4 singles, su poca repercusión les llevó a su desaparición un año después. ¿Con cuál te quedas?

Dentro de algo más de un mes se cumplen 40 años del lanzamiento de la canción Bridge over Troubled Water del dúo Simon & Garfunkel. Este single, hoy en día considerado un clásico, ganó el grammy a la mejor canción del año en 1971, y fue lanzado al mercado a finales de enero de 1970.

La canción original es esta.

Del puente sobre aguas turbulentas se han hecho (y se seguirán haciendo) numerosas versiones. The Jackson 5, Annie Lennox, Leona Lewis son algunos ejemplos de ello. Incluso Camilo Sesto se atrevió con una versión en castellano.

La originalidad de su título nos ha servido como base para una nueva sección que trata de enlazar la música con acontecimientos sucedidos a lo largo del último siglo, independientemente de la índole del mismo. Si Simon y Garfunkel hablaban de un puente sobre aguas turbulentas, pongámonos en la situación contraria. ¿Qué cual es?, pues un puente turbulento sobre aguas tranquilas.

Esto ocurrió en un puente cerca de Seattle, hoy mundialmente conocido como el desastre del Tacoma Narrows. Con una longitud de 1600 metros, fue zarandeado como si de una goma elástica se tratará. El desenlace final fue el derrumbe del mismo, pasada poco más de una hora. No entiendo nada de física, pero puestos a buscar, he encontrado que se debió a un colapso estructural inducido por el viento, y las imágenes del mismo son verdaderamente espectaculares.

Aquí van las imágenes

En las imágenes habréis podido observar un coche. Dentro de él estaba la única víctima de esta tragedia, un cocker spaniel llamado Tubby, que su dueño Leonard Coatsworth (bueno en realidad el perro era de su hija, y él casualmente se lo llevaba a ella) relató lo siguiente:

Apenas había atravesado las torres, el puente comenzó a retorcerse de forma violenta de lado a lado. Antes de que pudiera darme cuenta, la inclinación se hizo de tal magnitud que perdí el control de mi coche… Frené y salí del vehículo, y caí de cara sobre el pavimento… Podía escuchar el sonido del hormigón resquebrajándose… El auto comenzó a desplazarse de lado a lado de la vía ferroviaria.

Me arrastré sobre mis manos y rodillas durante 450 m hasta llegar a las torres… Estaba muy agitado; mis rodillas estaban peladas y sangraban, tenía las manos lastimadas e hinchadas de intentar agarrarme al pavimento de cemento… Hacia el final, me arriesgué a ponerme de pie y correr en pequeños tramos… Una vez que alcancé la seguridad del puesto de peaje presencié el derrumbe final del puente y cómo mi coche se precipitaba sobre el Narrows.

Existen en Internet numerosas fotos sobre el puente, e incluso he descubierto que es habitual que se de cómo ejemplo el colapso del puente Tacoma en la Universidad. Nosotros sólo lo hemos puesto para presentar un acontecimiento impactante con una canción que también ha resultado histórica con el paso del tiempo.

Nuestro sección recién nacida de Escenarios Singulares tiene hoy una ubicación completamente distinta a la del primer capítulo. Si nos fuímos con Johnny Cash de tourné por diferentes cárceles, esta vez nos trasladamos (por sugerencia de Bruno Pekin) a un lugar con mucha historia, nada menos que a la antigua Pompeya. El anfiteatro de la ciudad romana, engullida por la erupción del Vesubio, fue el sitio elegido por  Pink Floyd para grabar un video en directo llamado Live at Pompeii (1972).

Un film que lo de LIVE habría que matizar ya que no hubo público. Además, 3 de las canciones las grabaron en el anfiteatro en ruinas entre el 4 y el 7 de octubre. El resto lo hicieron en un estudio de París con proyecciones del citado anfiteatro. Aunque realmente tenemos un concierto sin audiencia y parte tocado entre cuatro paredes, el balance final es un trabajo que refleja el principio del camino de la psicodelia al rock progresivo que Pink Floyd había comenzado a recorrer. Una evolución de la que ya no participaba entonces Syd Barrett debido a sus problemas mentales derivados del abuso del LSD.

Anfiteatro de Pompeya

A la edición de 1972 le siguió otra de 1974 que añadía imágenes de la grabación de su famoso álbum Dark Side Of The Moon en los míticos estudios de Abbey Road. Finalmente en el 2003 se publicó la “Director’s Cut” que incluía como novedad imágenes hechas por ordenador del espacio y de Pompeya, y alguna entrevista más.

Los preparativos de Pink Floyd en Pompeya

Pompeya fue descubierta en 1748. Se pensaba que se había perdido para siempre pero no fue así afortunadamente. Se encontraba debajo de las gruesas capas de ceniza que la cubrían. Es además la única ciudad antigua de la que se conoce su estructura topográfica, estando distribuída de forma regular a pesar de la irregularidad del terreno. Pink Floyd la eligió para este proyecto novedoso en aquellos años y este fue el resultado. A continuación tenéis 3 videos de diferentes pasajes de este directo, que no lo es tanto, en una localización repleta de historia.

La canción elegida hoy para compararla con sus versiones es Burning Down The House de los neoyorkinos Talking Heads. Perteneciente a su album Speaking In Tongues (1983), fue el single con el que David Byrne y compañía llegaron más alto en las listas de USA (número 9). Junto a Once in a Lifetime, Wild Wild Life, Road to Nowhere y And She Was es una de mis favoritas sin duda. Este es el video original ya que no se puede adjuntar en el blog. Debajo podéis ver una actuación en directo interpretando esta canción de ritmo tan contagioso.

En 1999 Tom Jones sacó a la venta un disco de versiones llamado Reload en el que se hizo acompañar de diferentes artistas para llevarlas a cabo. Para el tema en cuestión se juntó con el grupo sueco The Cardigans, que le dieron una perfecta réplica al “Tigre de Gales”. La voz del intérprete de Delilah y la de Nina Persson redondean un dueto que queda asi de bien en el video original. A continuación una aparición televisiva de ambos:

En 1995 la cantante y compositora Bonnie Raitt incluyó en su disco en directo Road Tested la canción que nos ocupa. La voz de la californiana y su toque bluesero particular (con un solo final con slide de quitar el hipo), hace que se apropie de la canción haciéndola totalmente suya, logrando que el resultado sea excepcional. Abajo tenéis el momento del concierto:

Los norteamericanos Dave Matthews Band también se atreven a hacerla en directo. Este grupo desconocido en Europa pero de gran popularidad en su país con extraordinarias ventas de sus discos (Dave Matthews aparecía en la lista Forbes de los que más han ganado en el último año), tiene por costumbre hacer versiones en sus conciertos (por ejemplo el Sledgehammer de Peter Gabriel). Abajo la suya con la energía habitual de sus directos. ¿Con cuál de las 3 te quedas?

Hoy queremos que participéis con nosotros para elaborar una lista muy especial. Ahora que han vuelto tantas “viejas” glorias, pedimos vuestra colaboración para que nos digáis 5 nombres (grupos o artistas) que os gustaría verles de regreso sobre los escenarios. Para afinar más, vamos a poner 2 condiciones: que nunca antes se hayan reunido y que estén vivos (en el caso de los grupos, que lo estén todos sus miembros). Para que podáis tener alguno de referencia os dejamos una lista orientativa con unos cuantos videos:

The Smiths

Suede

Housemartins

Oasis

The Jam

Dire Straits

Talking Heads

The Kinks

Transvision Vamp

The Stone Roses

Wham

Lighthouse Family

Radio Futura

El Ultimo de la Fila

Mecano

Gabinete Caligari



Platero y Tú

Duncan Dhu

La Dama Se Esconde

Loquillo y Los Trogloditas

091

Ketama

Veneno

Mano Negra

Itoiz

Kortatu

Hertzainak

Delirium Tremens

Vienes de la nada – vuelves a la nada. ¿Qué has perdido? ¡Nada!

Siempre he admirado a la gente que en cualquier momento malo de tu vida, es capaz de arrancarte una sonrisa. Ese don que poseen ciertos privilegiados para sonreír en los momentos malos, es una virtud que ni se compra ni se puede vender. Si tuviera que trasladar este don a notas musicales, hay una canción que refleja para mi como muy pocas lo hacen, esta alegría a través de silbidos, notas musicales y una letra muy cuidada.

La canción en cuestión se titula Always look on the bright side of life!, y como casi todos habéis adivinado es la célebre canción de la película La Vida de Brian de los Monty Python.

Según cuentan la canción se fraguó filmando la última escena de la película, donde el reparto estaba aburrido y con bastante calor, colgados en las cruces. Eric, empezó a tararear una canción, que a la postre se convertiría en el mayor éxito, musicalmente hablando, de los Monty Python.

Para entender la ironía de la canción, os contextualizo el video.

Brian Cohen (Graham Chapman) ha sido condenado a morir crucificado por su participación en un intento de secuestro. Después de una serie de posibilidades de ser rescatado que acaban siendo todas fallidas, un personaje de una cruz cercana intenta animarle cantando “Always Look on the Bright Side of Life“.

Aquí os dejo el video, donde se interpreta la canción.

Pero lo que más me ha sorprendido de este grupo de humoristas, es que lograron llevar su sentido del humor hasta los lugares más insospechados. Nos ponemos en situación. Uno de los componentes Graham Chapman (Brian en la película), fallece de cáncer y su compañero John Cleese, suelta un discurso en su funeral que resulta increíble teniendo en cuenta que su compañero hacía horas que les había abandonado de este mundo.

Aquí os dejo el video (subtitulado), y posteriormente, parte del discurso que no aparece en el video. Es realmente memorable. Nos despedimos por hoy, esperando haberos alegrado un poco el día.

El problema es que no puedo hacerlo. Si él estuviera conmigo ahora probablemente tendría el coraje para hacerlo, porque siempre me transmitía su audacia. Pero lo cierto es que me faltan sus huevos, su maravillosa capacidad de desafío. Así que me tendré que contentar con decir “Betty Mardsen…”

Pero hoy habrá espíritus mucho más audaces y desinhibidos que yo. Jones e Idle, Gilliam y Palin. Sólo Dios sabe lo que nos depara la hora siguiente en el nombre de Graham. Pantalones caídos, blasfemos sobre pogos, increíbles demostraciones de pedorretas a alta velocidad, incesto sincronizado. Uno de los cuatro planea meterse por el culo un ocelote muerto y una máquina de escribir Remington de 1922 con el acompañamiento del segundo movimiento del concierto para chelo de Elgar. Y eso sólo en la primera parte.

Porque, veréis, Gray lo hubiera querido así. De verdad. Cualquier cosa por él, salvo buen gusto descerebrado. Y eso es lo que siempre recordaré de él, además naturalmente de su extravagancia olímpica. Era el príncipe del mal gusto. Le encantaba escandalizar. De hecho, Gray, personificaba y simbolizaba más que nadie que haya conocido todo aquello que era más ofensivo y juvenil de los Monty Python. Y su gusto por impactar a la gente le llevó a logros cada vez mejores. Me gusta pensar que fue una luz pionera que iluminaba el camino que podían continuar espíritus más ténues.

Algunos recuerdos. Recuerdo escribir el discurso del sepulturero con él: “Muy bien, nos la comeremos, pero si luego te sientes mal, cavamos una tumba y vomitas en ella”. Recuerdo descubrir en 1969, cuando escribíamos cada día en el piso que Connie Booth y yo compartíamos, que había descubierto recientemente el juego de escribir palabras de 4 letras en pequeños cuadraditos de papel, y que sigilosamente iba colocando en puntos estratégicos del piso, haciendo que Connie y yo nos viéramos envueltos en frenéticas búsquedas de papelitos en el último minuto cada vez que esperábamos visitas importantes a casa.

Lo recuerdo en las fiestas de la BBC, arrastrándose a 4 patas y restregándose contra las piernas de ejecutivos vestidos en traje gris, para luego mordisquear las más apetecibles pantorrillas femeninas. De eso también se acuerda la sra. de Eric Morecambe.

Recuerdo cuando lo invitaron a hablar en la sindical de Oxford, y cómo entró en la cámara vestido de zanahoria -un traje naranja que lo cubría por entero terminado en una brillante ramita verde a modo de sombrero-, y a continuación, cuando llegó su turno de hablar, se negó a hacerlo. Se quedó allí, literalmente mudo, durante 20 minutos, sonriendo beatificamente. La única ocasión en la historia del mundo en que un hombre completamente mudo ha conseguido iniciar una revuelta.

Recuerdo a Graham recibiendo un premio de TV de la revista Sun de manos de Reggie Maudling. ¡Quién si no! Y tomar el premio y caerse al suelo, y arrastrándose hasta su mesa, gritando lo más alto que podía. Y si recordáis a Gray, ya sabéis que era de verdad alto.

Es magnífico ¿verdad? Lo curioso de escandalizar… no es que moleste a alguna gente; creo que proporciona a otros un momentáneo gozo liberador, pues nos damos cuenta en ese instante de que las normas sociales que constriñen nuestras vidas no son tan importantes en realidad.

Bien, Gray ya no puede hacer eso por nosotros. Se ha ido. Es un ex-Chapman. Todo lo que nos queda de él son nuestros recuerdos. Pero pasará tiempo antes de que se desvanezcan.

Resto del discurso  sacado de http://www.islaplanesia.com

En los últimos días del año nos solemos encontrar con las típicas listas que hacen balance del curso que ya se termina. Los mejores discos, las canciones más sensacionales, los grupos que están de moda…Nosotros os vamos a proponer una nueva banda para una hipotética lista de mejores debutantes del 2009. Se llaman The Temper Trap y vienen de Melbourne (Australia).

Hemos tenido todos estos meses para descubrirles ya que sacaron su primer disco en enero pero no ha sido hasta hace poco cuando hemos podido escuchar algo de ellos. Fue viendo el video alternativo de su canción Sweet Disposition que desde los primeros acordes te empieza a enganchar. Un video que además tiene unas imágenes y una realización de indudable calidad.

Sweet Disposition fue el espléndido adelanto de su álbum llegando al 6º puesto en Inglaterra. Si habéis visto la película 500 days of summer la habréis podido oir. La voz de Dougy Mandagi (de origen tailandés) con ese falsete que recuerda a Chris Martin de Coldplay y esas guitarras a lo Muse o a The Edge de U2, muestran claramente unas influencias que ellos mismos reconocen. Además de las ya mencionadas, Massive Attack, Prince o Radiohead son otras de las referencias del cuarteto (Jonathon Aherne, Lorenzo Sillitto y Toby Dundas lo completan). Ya han tenido que responder a las previsibles preguntas sobre esas comparaciones con U2 y el resto de grupos. En este video (en inglés) lo podéis escuchar. Yo añadiría también que tienen cierto parecido con Arcade Fire y por momentos la voz me recuerda a la de Roland Gift de Fine Young Cannibals. Abajo tenéis el primer video de este single para comprobarlo por vosotros mismos por segunda vez.

El disco llamado Conditions lo ha producido Jim Abbiss, responsable de trabajos con Arctic Monkeys, Kasabian, Bombay Bicycle Club y Editors entre otros. De estos últimos por cierto también se les puede sacar similitudes en su sonido. Con sus compatriotas australianos tienen más en común con INXS que con Midnight Oil. En su myspace podéis escuchar más canciones de este magnífico álbum, que creemos que es uno de los más prometedores que se han hecho últimamente. No en vano la BBC les ha incluído ente los 15 mejores sonidos del 2009.

La acogida de su primer álbum está siendo muy buena. Sus canciones están siendo elegidas para múltiples juegos y anuncios publicitarios. En verano han tocado en importantes festivales como el de Glastonbury, Reading o Leeds, y están vendiendo todas las entradas en sus conciertos. El cartel de Sold Out está siendo habitual allá donde van. El pasado mes de noviembre pasaron por Madrid y Barcelona. Durante este mes van a terminar de girar por Europa para acabar el año en su país Australia.

Si queréis profundizar en su música, os podéis descargar su disco pinchando en la carátula.

Os dejo con los videos de sus otros dos sencillos y un actuación en vivo que incluye una entrevista con ellos.

Nos adentramos hoy en nuestra sección de músicas del mundo en un género musical que se ha hecho famoso, en parte, gracias al programa de televisión Fama a bailar!, y que es desconocido para el gran público. Se trata del kuduro, que literalmente significa “culo duro”. Es un estilo exportado desde Angola, con letras básicas y ritmos contundentes.

Uno de sus máximos exponentes es Buraka Som Sistema, que aunque no se les puede englobar dentro del genero musical del kuduro, debido a sus ritmos más frenéticos, ellos mismos se han catalogado como kuduro progresivo.

Residentes en Lisboa, y teniendo como enlace con el buduro, a uno de sus miembros de origen angoleño, esta formación lusa ha participado en importantes festivales de la talla de Glastonbury o Roskilde.

Con su primer trabajo “Black Diamond”, ya dieron que hablar con su  tema Sound of Kuturo, con un video grabado en un guetto de la capital angoleña Luanda, y con invitados de excepción como M.I.A. La verdad que merece la pena ver cómo bailan los niños angoleños.

Pero si tenemos que hablar de éxito, tenemos que hablar del Wegue Wegue. Este tema que la gente de la calle ha rebautizado como wiki wiki, weke weke, o cualquier sonido similar, está resultando un autentico bombazo en las pistas de baile. Ahora mismo suena en todas partes, y va a resultar el sonido de estos próximos meses.

Descarga un remix de Sound of Kuduro, pinchando en la carátula.

Descarga el Wegue Wegue, pinchando en la carátula.

Inauguramos una nueva sección en el blog llamada Escenarios Singulares en la que hablaremos sobre conciertos que se han celebrado en recintos “atípicos” o localizaciones originales. No daremos más pistas para que lo vayáis descubriendo en cada entrega. En la mente de todos seguro que tenéis alguno que os viene a la memoria.

“Hello, I’m Johnny Cash” así abría sus conciertos el cantautor estadounidense y con él estrenamos esta nueva categoría. Os podéis imaginar por dónde pueden ir los tiros sobre el escenario de hoy. Va sobre sus conciertos en diferentes cárceles, una costumbre que empezó en 1968 en la de Folsom (California).

Entrada a la Prisión de Folsom

Cuando estuvo alistado en las fuerzas aéreas en Alemania Occidental en 1952, vió la película Inside The Walls Of Folsom Prison y le inspiró, tres años más tarde, a escribir una de sus canciones más famosas: Folsom Prison Blues. Para relanzar su carrera, que languidecía a finales de los 60, se le ocurrió grabar un disco en directo dentro de una cárcel. Su productor Bob Johnston se puso manos a la obra y llamó a dos penitenciarías: la de San Quintín y la de Folsom. Esta fue la primera en responder y fue la elegida para la ocasión.

El día fijado fue el 13 de enero de 1968 y decidieron hacerlo en dos sesiones por si una salía mal, a las 9:40 y a las 12:40, ambas por la mañana. De la segunda sólo eligieron dos canciones para el disco ya que no salió tan bien como la primera. Y es que sus músicos (Los Tennessee Three) estaban bastante cansados después de la primera actuación. A Cash le acompañaron June Carter (su mujer) y Carl Perkins. El repertorio tuvo como protagonista la trena, como no podía ser de otra manera, con canciones como The Wall, Green Green Grass of Home, 25 Minutes to Go y la ya mencionada sobre Folsom. Una de las cosas más curiosas fue que incluyó una canción que nunca se había tocado titulada Greystone Chapel, compuesta por un preso que se la presentó el día anterior por medio del sacerdote de la prisión y que tuvieron que ensayar. Por entonces el gobernador del estado de California era Ronald Reagan, que fue a esos ensayos para visitar a Johnny Cash. A continuación os dejo con unos videos que recogen este concierto “intramuros”.

Tras la buena acogida del disco en directo de Folsom, un año después se animó a hacer otro en la de San Quintín. El 24 de febrero de 1969 repitieron la fórmula aunque con variaciones en la lista de canciones. Una de estas novedades fue la versión de Wanted Man de Bob Dylan. Se grabó además para la televisión (Granada TV) y tuvieron que hacer descartes en el LP por cuestión de espacio. Abajo tenéis una muestra de lo que sucedió en uno de los penales más cinematográficos que existen.

Estas dos no fueron las únicas veces que “El hombre de negro” tocó entre rejas. Lo hizo en varias ocasiones más, dentro y fuera de EEUU.  En 1972 se fue nada menos que a Suecia y también grabó un disco llamado På Österåker (“At Österåker”) que así se llamaba el penal. La versión de Kris Kristofferson Me And Bobby McGee, que también populizaría Janis Joplin, resultó ser una de las novedades.  Además se ganó la simpatía de los presos al hablar en sueco. Lo podéis comprobar en el siguiente video.

Para terminar deciros que Johnny Cash no visitaba las cárceles sólo por hacer algo diferente sino que le preocupaba su situación. Cuando fue recibido en julio de 1972 por el presidente Nixon, le pidió la reforma de las prisiones. En septiembre del 2003 fallecía, 5 meses después que su mujer June Carter, pero nos dejó para siempre su magnífica obra.

El quería la mejor educación para su hijo y pensaba también educar a los líderes del futuro. Jóvenes de ambos sexos comenzaba a tener la Escuela. Esto es ISLAM. Sabéis que hay separación por sexos, las mujeres de un lado y los varones por otro. Pero entre todos esos que aprendieron en esa Escuela llegó una niña de cabello largo negro, hermosos ojos negros, muy vivaz e increíblemente hermosa. Su nombre era LAYLA. Su nombre significa “noche” en árabe. Le decían noche por lo negro de su cabello y sus ojos: era increíblemente atrayente.

Desde el primer momento en que pudieron verse en los recreos, Qais y Layla, tuvieron una atracción inmediata. Se miraban, y no podían despegarse los ojos el uno del otro. Cuando sus amigos estaban jugando, intercambiando palabras y demás, ellos no hablaban: simplemente se miraban. Esa amistad, ese cariño, ese aprecio, con el correr de los años se transformó en una pasión que los agobiaba, que llenó todo su ser. Layla ya tenía 12 años, y en la Arabia de aquella época, era común que cuando una jovencita era algo especial, alguien que quería que ella fuese su esposa pedía la mano a los padres de ella hasta la mayoría de edad. No significaba que se casaran como hombre y mujer, pero cuando se hacían esos arreglos, esa niña quedaba prometida a quien pidió su mano, como futura esposa.

Esa amistad, pronto se convirtió en más que amistad a través de esas miradas que intercambiaban (no como en nuestra sociedad occidental: allí no había ningún contacto en absoluto); se convirtió en algo que todo el mundo empezó a darse cuenta. Y los padres de ella no podían permitir una relación amorosa que estuviera en boca de todos. Entonces decidieron retirar a Layla de la Escuela. Qais, se desesperó. Su corazón se rompió en mil pedazos. Ya adolescente no podía soportar estar separado de Layla, a tal punto que cuando sus compañeros le preguntaban que pasaba, el sólo podía hablar de ella. Sus palabras, sus pensamientos, sus acciones, estaban conectados a Layla y no podía hablarles nada más. Incluso, dejaron de preguntarle.

Estos párrafos que forman parte de una historia real contada por el poeta Nizami Ganjavi, inspiraron a Eric Clapton a componer una de sus canciones más conocidas.

Bajo el título de Layla, y formando parte del álbum Layla And Other Assorted Love Songs, la banda Derek and the Dominos (grupo en el que se encontraba Eric en ese momento), publicaron en su único álbum, una de las obras cumbres del rock.

Pero la historia que encierra es muy larga de contar, así que trataré de resumirla intentando no perder la esencia de la misma.

Todo comienza en el año 1966, cuando el beattle George Harrison se casa con la modelo Pattie Boyd. Pattie había formado parte de la película “A Hard Day´s Night” dos años antes, y George se había quedado embelesado de ella desde el primer momento. Dos canciones muy famosas de los Beattles están inspiradas en ella: “Here comes the sun” y “Something”.

Por aquella época era sabida la amistad que se procesaban Eric y George Harrison. Eric ya se había fijado en Pattie antes de conocerla en persona, pero poco a poco se fue obsesionando con obtener su amor. Paralelamente a esto, ambos artistas (Eric y George) continuaban su amistad y colaboración musical, como fue su canción “Badge”. En ella Eric, dejaba mensajes subliminales como “Estoy pensando en una chica que se parece mucho a ti”.

El carácter reservado y la actitud discreta de Eric se vio sobrepasada una noche por el alcohol, y delante de la casa de los Harrison, Eric, le soltó a la cara a George Harrison y delante de Pattie lo siguiente: “Estoy enamorado de tu mujer.”

George en un alarde de frialdad o de excesos de estimulantes, entró en casa con Pattie y le pregunto: “¿Te quieres ir con el?”, respondiendo negativamente ella.

El caso es que rondaban ya los 70, y Eric se había metido en una espiral de autodestrucción total. Estaba recluído en casa con la única compañía de sus adicciones. Sólo George había logrado estimularle para que tocara con él en el “Concierto por Bangladesh”, y el resultado no fue muy positivo, ya que se desmayó en el escenario.

Por su parte George había iniciado su coqueteo con el guru “Maharishi Mahesh Yogi”, que procesaba un fanatismo religioso extremo. También eran públicas sus infidelidades a Pattie, lo que desembocaron en 1974, en un episodio digno de película. En una noche de lluvia, suena el timbre de la casa de Eric, y cuando abre la puerta se encuentra al otro lado a Pattie. Ella había decidido dejar a George Harrison y venía a los brazos de Eric.

Este fue el inicio de su relación, que se alargó una década en el tiempo. Como ya es sabido, las drogas y las infidelidades mutuas decapitaron la relación, pero estos temas ya los dejamos para otro tipo de blogs.

Muchas veces tienen que venir los de fuera a enseñarnos lo que tenemos en casa. Este quizás sea el curioso caso de Francisco Tárrega. Este compositor y guitarrista español, que vivió en la segunda mitad del siglo XIX, se inició en la música de la mano de su padre. Un accidente en su infancia, le ocasionó pérdida de vista, y su padre temiendo que se quedase ciego, hizo que asistiera a clases de música para asegurarse su futuro. Lo que quizás no sabía su padre, es que estaba poniendo las semillas de un estupendo músico.

Para no irnos por las ramas, vamos directos al grano. Este compositor tiene el mérito de que una de sus melodías sea una de las más escuchadas hoy en día en todo el mundo. La melodía es esta. Seguro que os suena y eso que sólo dura cinco segundos.

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Efectivamente!. Como el título del video decía, se trata de la melodía Nokia Tune, que viene predeterminada en los móviles Nokia. Se calcula que hay unos 850 millones de móviles de esta marca, con lo que os podéis hacer una idea de la cantidad de personas que conocen esta melodía. Lo curioso es que esta melodía está sacada de un tema de Francisco Tárrega llamada Gran Vals. Aquí os dejo una interpretación de la pieza.

Parece mentira que tengan que venir los finlandeses a enseñarnos lo que tenemos en casa. Pero hay más. En el año 1984, una cruda película del director Roland Joffé se llevó tres Oscars, en una dramatización de lo acaecido en Camboya durante el régimen de los Jemeres Rojos. Con el nombre en castellano de Gritos del Silencio (The Killing Fields),  Roland Joffé trató de plasmar la situación política en este estado asiático, bajo el toque musical que aportó Mike Oldfield. Pese a recortes y problemas entre compositor y director, Mike Oldfield elaboró una obra antagónica al estilo que nos tiene acostumbrados, y que se debe escuchar sabiendo las escenas a las que se refiere cada tema. La segunda curiosidad de esta entrada, es que quizás el tema más famoso de esta banda sonora es su corte Etude, que como presuponeis, es una versión de una de las obras más conocidas de Tárrega, llamada Recuerdos de la Alhambra. Aquí os dejo la versión que hizo Mike Oldfield (seguro que os suena).

Y la original (interpretada por Narciso Yepes).

Ya para terminar, vamos con la tercera curiosidad. En la película El amor en los tiempos del cólera basada en la obra del autor Gabriel García Márquez, aparece la canción “Hay amores” de la cantante colombiana Shakira, que aunque la letra es de su autoría, la instrumentación es de la obra de Francisco Tarrega “Capricho Árabe”. Para terminar os dejo el video de la canción de Shakira.

Siguiendo el viejo lema punk de “Hazlo tú mismo” nos hemos puesto manos a la obra y hemos hecho nuestra propia recopilación para nuestro Cd de la Semana. 11 canciones de grupos punk británicos que fueron sin duda representantes del movimiento que surgió a finales de los 70. No están todos los que son pero sí son todos los que están. A disfrutar. (Para ver los videos pinchar en el título de la canción).

Stiff Little Fingers – Alternative Ulster

The Stranglers – No More Heroes

Sex Pistols – Pretty Vacant

The Clash – London Calling

The Clash – Death Or Glory

The Skids – Into The Valley

Generation X – Your Generation

The Damned – New Rose

Buzzcocks – Fast Cars

The Vibrators – Automatic Lover

The Toy Dolls – Nellie The Elephant

Continuamos con nuestra particular “saga” de videos en los que participan personalidades de la farándula con una nueva entrega en la que los protagonistas son actores y actrices famosos. En esta ocasión  además va a ser capicúa, terminaremos con la misma artista con la que la iniciamos.

La ex-animadora de Los Angeles Lakers Paula Abdul debutó como cantante en 1988 con el album Forever your girl. La canción del mismo título tuvo su correspondente video en el que se incluía una parodia a los de Robert Palmer, esos en los que aparecía siempre rodeado de chicas. Pero lo destacable es que en él participaron 3 jovencísimas promesas por aquel entonces: Elijah Wood (8 años), Trevor Wright (7 años) y Nikki Cox (10 años). El video original no se puede incrustar (es este), os dejo con un remix que es similar.

Cranberries consiguió con su segundo disco No Need To Argue (1994) romper todos los registros al vender casi 20 millones de copias en todo el mundo. Sin duda su canción Zombie fue la lanzadera de ese éxito pero también lo fueron otras como Ode To My Family, I Can’t Be With You o esta que os incluyo Ridiculous Thouhgts. En el video de estos “Pensamientos Ridículos” también participó el “Frodo” de El Señor de los Anillos Elijah Wood un poco más crecido que en el anterior que hemos visto.

Los barbudos, inigualables y maestros del rock sureño ZZ Top publicaron su décimo segundo disco (se dice pronto) en 1996 llamado Rhythmeen. Una de las canciones que lo componía era She’s Just Killing Me que fue una de las elegidas por el director de cine Quentin Tarantino para la banda sonora de la película Abierto Hasta El Amanecer. Por eso el video recrea la película con dos de sus intérpretes, el guaperas George Clooney (no sé que tiene él que no tenga yo) y la mexicana (soy más amiga de Pé que nadie) Salma Hayek.

Como os decíamos al principio cerramos con la misma artista, Paula Abdul. La siguiente canción Rush Rush, perteneciente a su segundo disco Spellbound, fue el single con el que tuvo más éxito. Después le llegarían los problemas en forma de bulimia y divorcio. Su efímera carrera le ha servido no obstante para terminar como jurado en el programa televisivo American Idol (el Operación Triunfo americano). En el video podemos ver a (siempre será el Neo de Matrix) Keanu Reeves en una historia que recuerda a la película Rebelde Sin Causa de los malogrados James Dean y Natalie Wood.

Os proponemos un sencillo pasatiempo que con periodicidad semanal, iremos colgando en nuestro blog. Hoy la tercera entrega. El juego es sencillo. Colgaremos dos imágenes.  La primera imagen corresponderá a un grupo/cantante famoso que ha pasado por la serie, y la segunda, a un personaje famoso (fuera del mundo de la música) que también haya aparecido en la misma. La solución siempre estará incluida en un comentario dentro de la correspondiente entrada, aunque si encontramos el video también lo colgaremos. Espero que os guste!!.

Grupo/Cantante                     Personaje Famoso

El video con la solución al Grupo / Cantante aqui.

El personaje famoso mira en los comentarios de esta entrada.

El compositor y guitarrista Joe South escribió la canción que hoy enfrentamos con sus versiones. Puede que su nombre no os diga nada, pero antes de escribirla, ya había compuesto para Gene Vincent, y más tarde ganó varios Grammys gracias a su espléndido y exitoso Games people play, versioneado después por multitud de artistas, desde Dolly Parton a Inner Circle, pasando por Johnny Cash & Lulu y Jerry Lee Lewis entre otros.

Joe South también fue músico de sesión de Aretha Franklin en su magnífico y premiado Chain of Fools y de Bob Dylan en el mítico disco Blonde On Blonde. Aunque él mismo se encargó de interpretarla como podemos ver en el video, (I never promised you a) Rose Garden se convirtió en un gran éxito pero no en la voz de su autor como veremos más adelante.

En 1970 la cantante Lynn Anderson fue la artífice de que se convirtiera en la canción más vendida por una artista country femenina y que este récord durase hasta 1997. Si hoy se recuerda a Lynn es fundamentalmente por esta versión (y viceversa) ya que no pudo igualar su repercusión ni en ventas ni en posiciones en las listas de éxitos, a pesar de tener una carrera extensa y fructífera.

El grupo donostiarra Duncan Dhu hizo una adaptación de la mano de Diego Vasallo a la que titularon Jardín de Rosas, que junto a Cien Gaviotas, Esos Ojos Negros y No Puedo Evitar (pensar en ti) conformaron un segundo disco Canciones (1986) que les llevó a vender cantidades indecentes de discos y a iniciar una carrera con un éxito que no les abandonaría hasta el final. Abajo tal como la grabaron aunque a lo largo de las siguientes giras la tocarían de forma más rockera y acelerada.